0% found this document useful (0 votes) 70 views 63 pages 365400284-Bateria-Nocoes-Basicas.pdf © © All Rights Reserved PDF or read online from Scribd Share this documentDid you find this document useful?0% found this document useful (0 votes) 70 views63 pages Bateria Nocoes Basicas PDFOriginal Title:365400284-Bateria-Nocoes-Basicas.pdf Jump to Page You are on page 1of 63 You're Reading a Free Preview You're Reading a Free Preview You're Reading a Free Preview You're Reading a Free
Preview You're Reading a Free Preview Reward Your CuriosityEverything you want to read. Anytime. Anywhere. Any device. No Commitment. Cancel anytime.  Modos de execução da bateria no sambaPublished on Nov 7, 2017 Título(s): Modos de execução da bateria no samba Autor: Leandro Barsalini Titulação: Doutor em Música - Fundamentos Teóricos Universidade Estadual de... Portal Academia do Samba Transcrições 1. Apresentação: Oi, meu nome é iraquiano. Eu também sou conhecido pelo artista chamado paradoxo. E eu publiquei músicas no Spotify ou Apple Music, SoundCloud, YouTube. E eu tenho sido um músico ávido nos últimos 15 anos. E eu venho produzindo há cerca de cinco. Quando comecei a aprender a criar música, achei isso muito difícil e muito confuso, pois nunca soube a quantidade de complexidades que existiam no reino do que é música. Eu vasculho o YouTube. Eu vi muitos tutoriais na Internet. E descobri que a melhor maneira de aprender era assistir a muitos vídeos detalhados, aprender como outros produtores criaram suas próprias músicas e dicas e truques de fluxos de trabalho que eventualmente me permitiram para fazer música melhor. Então, eu gosto de convidar você a se juntar a mim na minha aula de Skillshare, onde pretendo mostrar o que aprendi e também levá-lo pela jornada de fazer música, que inclui produzir, mixar e masterização e criação de remixes. Essa foi certamente uma das coisas que eu queria fazer quando comecei a aprender a fazer o FL Studio. Então, o Beads era para fazer remixes, pois é sempre legal tentar criar algo novo partir de material que já existe por aí. Então, antes de entrarmos no primeiro episódio de nossa aula, vamos dar uma olhada em algumas das coisas que faremos ao longo desta aula. E não se limita apenas a remixes e à criação de originais, mas também se trata de aprender amostras e plugins e trabalhar com você. O que é FL Studio 20? Isso é aproveitar. Sim. Então, espero que isso tenha dado a você uma ideia do que esperar nesta aula. Agora, não tenho nenhuma estrutura específica para essas classes, pois vou me mudar, tornando essa aula gratuita. E estarei constantemente adicionando novos vídeos à medida que faço mais coisas. E existirão outras aulas dedicadas a fazer músicas gerais. Então, eu realmente espero esperar por você e participar da minha turma e de suas avaliações, discussões e quaisquer projetos que você queira enviar para mim. Então, o que você está esperando? Inscreva-se agora e junte-se a mim nessa jornada e menos do que isso faz com que eles a usem juntos. Feliz produção. 2. Como usar o FL Studio e navegar no painel: Oi, obrigado por entrar na minha aula. Nesta aula, abordaremos os fundamentos do uso do FL Studio e também sobre como permitir que você se torne mais criativo e crie sua primeira faixa musical. Nesse caso, vamos analisar e criar uma trilha estilo carga. Então, se você está familiarizado com músicas como Firestone ou roubou o show de carga, você terá a sensação daqueles tipos de músicas mais lentas, mais melodiosas e geradas por chumbo mais melodiosas e geradas por chumbo que são realmente edificantes e enérgico. Meu objetivo é tentar permitir que você se torne mais criativo em sua jornada com o fl Studio. E no final desta aula, vamos criar nossa primeira música house tropical. Então, vamos direto. Ao abrir o FL Studio pela primeira vez, você verá esse grande software cinza com muitas guias modulares e de escrita. Agora, parece muito assustador. Eu estava praticamente no mesmo barco quando comecei a usar o FL Studio. No entanto, quando me familiarizei com o layout, na verdade ficou muito mais fácil de entender e eu o preferi em comparação com outros softwares. Então, vamos examinar cada uma das guias modulares e deixar você atualizado o que cada uma faz e por que ela está lá. Temos o navegador à esquerda. Então, isso funciona de forma muito semelhante ao seu Explorador de Arquivos, onde você tem acesso a todas as amostras, plug-ins em qualquer faixa de áudio que você queira incluir, todas as gravações que você faz com o microfone é. Tudo isso é salvo em uma dessas pastas. No lado direito, aqui temos a playlist. Então, isso é quase como o storyboard da sua faixa. É aqui que você colocará os diferentes padrões e as diferentes melodias, acordes e tambores nessa área. E poderemos compilar a música para fazer nossa música. Aqui no rack do canal. É aqui que realmente criamos a música. Então é aqui que vamos importar os diferentes instrumentos musicais, criar esses padrões e melodias, protagonistas básicos. E qualquer uma das gravações que possamos fazer com nossa voz. Aqui dentro. Na parte superior, temos a barra de ferramentas. Então, algumas das coisas são bastante autoexplicativas. Temos o registro Start Stop, mas também temos a contagem de BPM, então podemos mudar o tempo da faixa. Temos o metrônomo e, em seguida, temos a capacidade de inserir o jogo. Temos nosso cronômetro, temos nossos padrões. Então, isso é muito importante. Como você pode ver, se eu percorrer, você puder criar padrões diferentes, qual deles você compilar juntos, permitirá que você crie mais camadas em sua trilha. E, finalmente, essas colunas aqui estão todas relacionadas às guias modulares que mostramos. Então, se eu fechar isso, você verá como é a playlist. Se eu clicar nisso, vou abri-lo novamente. Isso nos leva a um rolo de piano onde temos um piano virtual. Mas feche isso. Temos nosso rack de canais. Então esse é esse aqui, e nosso mixer. Portanto, se alguma dessas guias desaparecer a qualquer momento, você poderá acessar rapidamente uma dessas guias na parte superior e verificar se elas estão disponíveis. Então, finalmente, temos nosso arquivo de edição, adição de padrões e opções. Portanto, eles são muito familiares em todos os softwares do Windows. E isso permite que você faça mais edições no software, como verificar suas configurações Midi, configurações áudio, configurações gerais de arquivo e se você tem algum plug-in que deseja instalar. Espero que tenha sido uma visão geral breve e rápida, mas também abrangente de como é o layout do estúdio da Apple. E na próxima aula, veremos como entender plugins e amostras e como os usamos para criar faixas e músicas. Obrigada 3. Definições de plugins e amostras do VST, juntamente com locais: Oi. Então, na segunda parte dessa classe, veremos plugins e amostras. Então, em sua forma bruta, um plugin é simplesmente uma interface de áudio que permite criar som usando instrumentos musicais ou adicionar efeitos. Eles são muito importantes na criação de música, pois é a principal forma criar qualquer tipo de som no FL Studio. E a maneira mais fácil de localizar plug-ins no FL Studio é olhando no navegador e clicando em nosso banco de dados de plugins, onde temos muitos tipos diferentes de plug-ins estoque plug-ins na torneira frutada dos geradores, onde podemos ver diferentes plug-ins aqui. Ou, se você tiver algum plug-in instalado, poderá obtê-los por meio da guia VSD. Então, isso é simplesmente uma tecnologia de estúdio virtual. Se eu clicar nele, você verá vários plug-ins, que novamente podem ser arrastados para o rack do canal, o que permite que você comece a criar músicas instantaneamente. Então, neste caso específico, vamos dar uma olhada na guia frutada. Portanto, esta é a área de plug-in padrão que todos vocês devem ter. Se você estiver usando a adição exclusiva do FL Studio. Caso contrário, você terá a maioria deles em todas as adições do FL Studio. Se eu arrastar as teclas F, L, isso se refere às teclas Froot Loops. Então, esse é um teclado simples. Então, se eu arrastar isso para o meu rack de canais, você verá instantaneamente um piano. Nesta guia aqui, você verá os diferentes tipos de pianos. Então, se você quiser olhar para um piano de cauda, carregue-o. E simplesmente clicando neles, você pode ver como ele emite som. Isso é tão simples quanto é. Ou os outros plugins incluem coisas como inofensivas. Portanto, esse é mais um sintetizador que cria códigos variados , profundos e muito fedorentos. Então, se eu passar o mouse sobre isso, você verá aqueles sons antigos de vibração retrô e todas as configurações. E eles são usados para alterar o design de som por trás dos plug-ins. Vamos falar sobre isso um pouco mais tarde. Como essa é uma classe um pouco mais aprofundada e, na verdade, manipula plugins. Mas, quando começo, é assim que você arrasta os diferentes plugins para sua trilha. Agora vou excluí-los, pois não quero usá-los em nossa faixa tropical house, mas é apenas um exemplo de como usar plug-ins. Na próxima aula, começaremos a estudar bateria. E para essa classe em particular vamos usar algumas amostras. Agora, se eu voltar para a guia do meu navegador antigo, você verá os arquivos aqui. E neste caso em particular, eu vou seguir em ritmo acelerado. Pacs ou estoque no FL Studio, onde você pode ver diferentes amostras que foram gravadas ou pré-gravadas por linhas de imagem. Então essa é a empresa que cria o FL Studio. E usando essas amostras, podemos importá-las para nossa playlist ou nossa área de arranjo para criar uma batida. Então, se olharmos para a bateria, você pode ver a falha. Então, símbolos, chapéus, bumbos e percussão. Então, isso pode incluir sinos de vaca. Congo é um osso que vai aonde quer que você encontre usando qualquer efeito que possamos colocar de uma bateria, armadilhas e do Tom. E passando por essas guias, temos instrumentos diferentes. Então, baixos, guitarras normais, normais, teclados ou sons orquestrais. Então, espero que isso tenha lhe dado uma visão geral de onde voar, encontrar plug-ins e onde encontrar amostras. Também tenho algumas amostras pagas que comprei. Então, neste caso em particular, eu gosto de usar muitas amostras de som da Caxemira para o volume também. Então, você pode obter isso do splice audio, uma descrição de onde está nos arquivos de projeto dessa classe. Mas eu gosto de usar a Caxemira como volume, pois ela tem muitas amostras realmente sofisticadas e de boa qualidade. E por uma pequena taxa mensal e emenda o áudio, você tem acesso a vários pacotes de amostras diferentes. No próximo episódio, veremos como usar essas amostras para criar uma batida. E isso formará a base da nossa música house tropical. 4. Como fazer sua primeira batida nos tambores: Olá, bem-vindo ao terceiro episódio desta aula fazendo sua primeira faixa de house tropical usando o FL Studio. Até agora, vimos como contornar FL Studio e entender o que é cada uma dessas guias modulares e como ela funciona. Analisamos os plug-ins e analisamos amostras e onde encontrá-los. E agora, no terceiro episódio, vamos ver como fazer sua primeira batida de bateria, que é realmente a base de qualquer faixa musical. Vamos fazer isso usando amostras que foram pré-gravadas por terceiros. Então, algumas das amostras são por linhas de imagem. Então, a empresa que cria o FL Studio, mas também algumas amostras que vêm do volume da Caxemira que mencionei no episódio anterior. E fique à vontade para comprar ou encontrar outras amostras que sejam mais adequadas para você. Então, vamos entrar imediatamente. Então, a primeira coisa que precisamos entender sobre a bateria é o ritmo. O ritmo de uma faixa é muito importante, pois define o clima, define o ritmo e a energia por trás da música. música house tropical geralmente varia entre 100 e 115 batidas por minuto. Portanto, o BPM é muito importante para o gênero musical que você está criando. No topo, temos o monitor BPN e podemos clicar e arrastar para mudar isso muito rapidamente. Então, o que eu vou fazer é reduzir isso para 105 bpm. Pois esse é o ritmo que eu quero que essa trilha de casa tropical siga. Se você quiser ouvir o som de 105 batidas por minuto, clique no metrônomo e pressione Play. Agora, como você pode ver essa barra aqui, esta é a posição na música. Isso está exatamente alinhado com essa barra aqui embaixo. Quando eu pressiono Play, você verá como ele percorre todas essas pequenas guias e depois se repete. Isso é essencialmente um cronômetro. Então, no rack de canais, o que temos é uma linha do tempo em que podemos colocar as amostras e permitir que elas sejam reproduzidas em loop. Isso é muito importante quando se trata de criar os padrões e compilar todos esses padrões juntos. Então, a estrela, quando você carrega no FL Studio, por padrão, você tem esses quatro instrumentos já pré-carregados. Se você pressionar Control e, em seguida, clicar o botão esquerdo, você ouvirá como cada um desses instrumentos soa. Nós temos nosso chapéu de chute, aplaude. E depois a armadilha. No lado esquerdo de cada um desses instrumentos, temos um número. Agora, esses números estão diretamente correlacionados com os números na faixa do mixer. Então, se eu destacar a caixa e rolar para cima, você verá como ela também rola no mixer. Então, se eu fizer isso com dez, isso significa que o áudio é controlado no dial número dez do mixer. Se eu segurar a tecla Control novamente e pressionar o botão esquerdo, você verá como o Monitor grava a caixa. Então, vou trazê-lo de volta para o número quatro. Agora. Acho muito importante garantir que tudo esteja organizado quando estou fazendo uma música, pois isso ajuda na mixagem e masterização do áudio. Mais tarde, depois de criar sua compilação. Agora, como você provavelmente adivinhou, vamos criar uma música. Então, toda a batida de bateria nesta área de rack de canais. Então, em primeiro lugar, eu, pessoalmente, não sou o maior fã dos clubes que estão carregados por padrão, nem dos chapéus ou da caixa. Mas o KYC não é tão ruim. Então, o que eu vou fazer é ir aos pacotes, ir à bateria e escolher um chapéu alto melhor. Então, se eu escolher On Hats, você verá todos esses tipos diferentes aqui. E o que vou fazer é analisar alguns deles e ver quais são os melhores. O que eu quero é um chapéu alto, que esteja fechado, não aberto. Então, esse é um que tem menos ressonância e é um pouco mais. Tem um som mais curto associado a ele. E você vai ver o que quero dizer. Agora isso é um chapéu fechado. Aberto. Oi chapéu. Fechado e aberto. Então CH OH, eu realmente gostei disso. 08. E nós vamos 808. Oi chapéu. Então, tudo o que você precisa fazer é arrastá-lo e arrastá-lo sobre o chapéu e você pode ver como isso mudou agora. Se eu clicar nisso, você verá a forma de onda real do áudio sonoro. Então, se eu clicar aqui, você verá isso como um som. Há muitas outras configurações aqui que você pode adicionar à amostra. Em particular, este, como alterar o volume, você pode alterar o tom. Você pode planejá-lo. Então, se você quiser que ele passe pela orelha esquerda ou pela orelha direita. E você também pode escolher se deseja que a amostra apareça lentamente ou desapareça lentamente. Novamente, essas são várias maneiras diferentes de adicionar. Design e caráter de cada amostra. Vamos deixar tudo como estoque e fechar isso. E vamos substituir os instrumentos restantes para criar uma bela batida tropical. O chute, não me importo, é um bom chute forte. Então, vamos manter isso. O aplauso de que eu não sou realmente fã. Então, vou até um dos meus próprios pacotes de amostras. E há muitos pacotes de amostras grátis online da Cinematics, que têm muitas amostras que você pode baixar. E eu realmente recomendo que você navegue na Internet e encontre algumas amostras muito legais navegue na Internet e encontre algumas amostras muito legais que você acha que serão muito criativas e muito, você sabe, ótimas para suas próprias faixas. E eu fiz muito disso no passado. E eu uso muitas amostras da Caxemira. Então, eu quero usar algumas de suas amostras de bateria. E, em particular, eu quero tirar uma foto porque música tropical geralmente tem muitas fotos, muita percussão, percussão alta, percussão baixa. E eu quero adicionar esse tipo de vibração à minha batida de bateria, clicando nas fotos. Vamos ouvir alguns deles. Eu era fã do número dois. Vou adicionar o número dois e substituir o aplauso. E então, finalmente, eu quero mudar a armadilha. Então eu vou para a área da caixa. Agora. Você pode fazer isso e receber amostras pagas, ou podemos entrar nas armadilhas de estoque padrão e ver como essas soam. Pessoalmente, tenho uma em particular em mente que quero usar, que é de uma das minhas amostras pagas. E é uma armadilha apertada. E essa é a minha escolha número um lá. Novamente, está no acorde B. E eu vou arrastar isso para a armadilha. Agora, para criar sua primeira faixa, precisamos clicar em cada uma dessas guias, que permite a criação de sons. Então, se eu clicar nesse botão, ele toca apenas a música e o toalheiro. Então, se eu fizer isso, você pode ouvir esse metrônomo tecnológico. E vamos adicionar uma boa batida de quatro. Pois a batida é simplesmente para chutes e o tambor em uma barra, então essa é uma barra. Então, todos esses ouvidos contam como uma barra e depois se repetem. Então, vamos colocar quatro desses em uma barra, 1234. E quando eu pressiono Play, você ouvirá como isso soa. Agora, vamos começar a adicionar algumas camadas a essa batida de bateria e fazer com que ela soe um pouco mais tropical. Adicione alguns snaps. Adicione alguns chapéus altos. E vamos adicionar uma armadilha, mas faremos isso depois de ouvi-la até agora. Então, vamos pressionar Play. Agora, isso parece muito bom. Vou brincar um pouco com isso. E eu recomendo que você brinque com isso também. E tente encontrar algo que realmente seja cativante. E sentimos que vai pular e estourar. E eu trago energia para essa faixa. Vou adicionar um pouco mais de percussão, alguns agudos, talvez assim. E isso também é bom. E depois alguns logotipos. Novamente, talvez você não tenha todas essas mesmas amostras, mas existem amostras semelhantes na pasta de pacotes de bateria e percussão. E, como você pode ver, há muitas coisas para escolher aqui. Então, vamos começar a fazer nossa batida. Isso soa muito bom. Vou me certificar de que todos eles sejam canalizados para as mixagens corretas. Então, vou colocar esse de um a cinco. Este é seis, então este é sete. Dessa forma, posso adicionar os efeitos que eu quiser ao áudio. Agora, o que podemos fazer é renomear esse padrão para bateria. Acho útil clicar na cor e torná-la verde. Eu deixo todos os meus tambores verdes. Eu faço todas as minhas melodias e acordes, roxos, faço minha base ficar amarela e meus leads lidos. Essa coordenação de cores me ajuda a garantir que eu tenha catalogado com precisão todo o instrumento e também facilita para mim. Organize, mixe e masterize o áudio mais tarde no processo. Então clique em Ok, e agora esse padrão agora está verde. Então, se eu clicar no padrão aqui e arrastá-lo para a playlist, você verá que esse loop de bateria agora está lá. Rapidamente. Na barra da playlist, podemos ver um ímã. Então, se eu clicar nisso, isso mostra apenas o snap do qual o snap essencialmente em nosso snap essencialmente permite que você coloque a actina no arranjo e ela se encaixará nas diferentes etapas. na batida. Então, se eu clicar em Principal, você verá como ele se encaixará em cada uma dessas batidas na barra. Então eu mencionei antes que essa é uma barra. E você pode ver como isso é uma barra, duas barras, três barras. Então, uma barra, duas barras, três barras. E o que vamos fazer é colocá-los em quatro barras e pressionar Play. Agora, uma coisa que eu gosto de fazer é garantir que cada um desses instrumentos tenha o efeito certo sobre ele. Agora, o bumbo em si, soa muito bem. Mas quero adicionar um pouco de reverberação e ressonância aos chapéus altos e às percussões altas e baixas que adicionei aqui. Então, como mencionei antes, vamos primeiro codificar por cores todos esses verdes. Esse é o Snap Plus. Vou renomeá-lo para snap. Isso é um chapéu alto. Vou renomear isso para Hat green. Vou renomear isso para snare. Faça-o verde. Então, isso é alto. Olá, Park Green. E aqui é High Park, novamente. High Park também. E então, finalmente, um baixo. Agora, um truque rápido é clicar em uma dessas guias, mouse sobre o mixer, pressionar Control L. Ele copia automaticamente o nome desse mixer e a cor. Novamente, é muito útil para categorizar e organizar seus padrões e instrumentos. Vou fazer isso com o resto dos meus instrumentos. Em seguida, passaremos a adicionar efeitos a cada um desses instrumentos e amostras. Então, se eu apenas me certificar de que isso não está feito, lá vamos nós. Agora, se eu pressionar Play, você pode ver como tudo isso está organizado. Agora eu quero ter certeza de que esses tambores soam bem. Então, eu quero adicionar um pouco de reverberação aos meus chapéus. Se eu for até a batedeira, clique em chapéus altos. Você verá essa área aqui que tem slots. Esses slots onde você pode adicionar efeitos diferentes. Ao clicar em um desses slots. Instantaneamente, você verá uma janela pop-up e selecionará, que permite escolher vários tipos diferentes de leilões. Agora, todas essas opções de frutas ou estoque, e eu gosto muito de usar o reverb frutado. Então, isso é simplesmente como reverberação e mais eco e ressonância na faixa. Então, vamos clicar nisso. E se eu clicar nela, você verá essa guia aparecer. Agora, para eu mostrar como soa a reverberação, vou desativar todas as outras e só tocar chapéus. Então, se eu fizer isso, desligue o metrônomo, você verá como ele tem 20% de reverberação nele. Se eu tirar a reverberação, você pode ver como sobrou atraso e quase parece que está no estúdio, mas eu quero que pareça que está em uma sala grande. Perfeito. Então eu vou fazer o mesmo com minhas percussões altas nos dois 12. Mais reverberação. Então, finalmente, o último. Agora, esse prêmio de hipotensão, como você pode ver, é bem alto. Então, vou diminuir isso um pouco. Perfeito. Perfeito. Tudo bem. Então, essa é uma maneira muito simples e curta fazer sua primeira batida de bateria. E na próxima aula, vamos apresentar acordes e melodias e aprender como misturá-los para criar uma faixa house energética, melodiosa ou tropical. Obrigada 5. Como estabelecer acordes e melodias: Olá, bem-vindo de volta ao quarto episódio de nossa aula sobre como criar nossas primeiras batidas tropicais de house no FL Studio. No último episódio, vimos como criar nossa primeira batida de bateria usando uma mistura de chutes de estoque e algumas amostras pagas, que também podem ser substituídas por qualquer uma de suas próprias amostras. E aprendemos como adicionar alguns efeitos a essas amostras de batidas de bateria e criamos o que era uma composição de diferentes elementos de bateria. E então os colocamos em nossa área de playlist. E o que vamos nos concentrar agora é como criar acordes e melodias que se sobreponham e façam com que nossa batida tenha um pouco de energia e ritmo. Então, a primeira coisa que vamos fazer é abrir um novo padrão. Então, se eu errar a rolagem para cima ou pressionar mais, ele me mostrará um novo padrão e poderemos renomear esses dois códigos. Como mencionei em meus episódios anteriores, gosto de codificar por cores e vou coordenar essas duas cores de roxo. Ok? E agora temos nossa área roxa. Esse clique no botão um. Você verá como esse é o padrão da bateria. E agora vamos ver o padrão de , que são nossos acordes. Agora, o que vou usar é um plug-in pago, ou seja, volto aos meus geradores, posso clicar nas minhas chaves viciantes. Agora, isso é simplesmente um plugin de piano, que você pode ver por si mesmo. Isso é criado por AL AL e áudio. Mas se você não tiver nenhum plug-in pago, basta acessar o Fruity e escolher as teclas f L, que fazem exatamente a mesma coisa. E é gratuito e vem com o software FL Studio. Então, depois de ter seu plug-in, vou encaminhá-lo para o número dez porque não sei se vou adicionar mais bateria. Quero deixar um pouco de espaço para manter todos os meus tambores juntos. Se eu clicar com o botão direito aqui, renomeie isso para piano. Eu posso fazer isso roxo. Ok. E então, como antes, controle L na batedeira e isso o torna roxo. Agora, o que vamos fazer é criar alguns acordes muito simples e fazê-los funcionar sem batida. Então, se eu clicar em, botão direito do mouse no piano ou clique na aba no rolo do piano. Isso abrirá esse piano. Agora, os diferentes números que você vê aqui ao lado de cada letra simplesmente se referem à oitava. Então, quanto maior o número, maior a oitava. Eu normalmente começo com cinco porque normalmente está no meio. Como você pode ver. Eu vou para seis C4. Então, vamos começar com todos os nossos códigos em nossa 5ª oitava. Pessoalmente, sou muito fã de usar códigos simples para uma música de house tropical. Você pode ser mais inventivo e usar diferentes maiores e menores e acordes de inversão se estiver mais familiarizado com a teoria musical. Mas para os propósitos deste exercício, usaremos uma simples progressão de acordes menores, F, C e G. Então, se eu clicar aqui, ele será rotulado como a. E agora vou colocar o acorde a ao longo desse piano para que você possa ouvi-lo. Então isso é um acorde. Agora, vou esticar isso. Se pressionarmos Control e arrastarmos, você poderá destacar tudo. E eu vou fazer isso caber nesta primeira seção do bar. Como você pode ver, há quatro seções nessa barra. E então, na primeira seção, eu vou colocar o a. E se você apertar play, você pode ouvir esse acorde. E o próximo será um F. Então vamos para um F. Agora, eu vou encontrar meu F aqui. Agora, um truque que eu tenho quando se trata de fazer códigos é se você tem um ouvido musical, você pode realmente ouvir se o acorde soa certo? Então, se eu clicar em um C nítido, E, ele meio que sobe na escala. O mesmo vale para F. E então vamos ter um G, C e depois um G. Então vá até uma C e depois uma G. Playlists, você ouve como isso soa. Agora, isso para mim não parece muito cativante. Então, o que vou fazer é reorganizar esses códigos para torná-los um pouco mais cativantes e você pode me seguir enquanto eu faço o mesmo. Então, primeiro de tudo, vamos esticar isso um pouco. Temos espaço para trabalhar. Vou encurtar um acorde e depois torná-lo instável. Você pode ver aqui. Agora é um pouco rápido demais. Vamos fazer isso lá. Não, ainda é um pouco rápido demais. Vamos colocá-lo bem no meio. E então vamos arrastar tudo isso. Opa, desculpe, eu arrasto tudo isso e os movo para o lado. E então faça o mesmo aqui. Então vamos fazer o F. Faça com que seja do mesmo tamanho. Vou arrastar isso para que não sejam tão profundos. Então, eu quero aumentar a visão um pouco mais alta. Então eu mudei para um seis. Então, soa assim. Em vez de me desculpar, em vez de soar assim, que estava onde estava antes de eu voltar para o C5. Você pode ter sons profundos , agora é um pouco mais profundo em comparação com esses, não é? Arraste o mais alto, encurte-o para o mesmo comprimento, copie e cole. E você pode ver como é muito fácil arrastá-los rapidamente e fazer uma trilha rápida. Vamos colocar isso aí. Coloque isso do outro lado, copie e cole, copie e cole. E para a última parte desse código, vou colocá-los um ao lado do outro para que eles tenham um pouco mais de agitação. Então, o que eu fiz aqui é simplesmente ter um acorde ou um acorde menor aqui. Temos nossos códigos f aqui, temos nossos códigos C aqui e nossos acordes G aqui. Agora, se eu pressionar Play, você ouvirá como isso soa. Agora. Isso não é menor de idade. Eu poderia simplesmente fazer disso um a e ver como isso soa. Isso soa um pouco mais completo porque é um acorde importante. Então, eu poderia mudar isso de um a menos para um a porque isso também soa muito bem. Sim, eu gostei disso. Eu gostei mais disso do que de um menor. Agora, vou fechar isso. E o que vamos fazer agora é colocar esse clique nos acordes e na área do padrão e clicar na playlist. E, como você pode ver, ele é preenchido automaticamente duas vezes nas primeiras barras por reprodução. Bem, temos nossa primeira faixa musical melodiosa com uma batida de bateria. Agora, tenho certeza que você concordaria comigo, isso soa um pouco vazio e parece um pouco vazio no momento. Então, o que podemos fazer é adicionar alguns efeitos a isso. Então, descendo até o piano real na batedeira, podemos ir ao nosso primeiro lote e adicionar um pouco de reverberação. Vamos adicionar um pouco de reverberação a isso. Agora, vou colocar apenas cerca de 10% nisso porque não quero seja muito ecoante. Clique sobre isso. Na área do rack do canal, podemos ouvir os sons do piano como agora, 15% enquanto tocam. E eu também quero fazer com que soe frequências um pouco menos altas. Então, se eu clicar em Selecionar, você verá que tenho a opção em frutado, para frutado E q, dois. Agora, se o U2 for simplesmente um equalizador, o que permite que você veja todo o espectro do som que está sendo reproduzido. Para pressionar Play. Você o verá em movimento. Então, onde você tem as linhas muito nítidas, o acorde sendo tocado e todas as linhas tênues ao redor dele, ou as partes ressonantes do instrumento. Pressione play novamente. Agora, o que eu quero fazer é fazer com que pareça um pouco mais suave e um pouco mais forte. Então, o que vou fazer é pegar esse número sete, clicar e arrastar e fazer com que toda a parte mais avançada do áudio desapareça para pressionar Play. Agora você ouvirá a diferença. Agora, o que eu vou fazer é cortar qualquer dos low-end realmente profundos, que podemos realmente aqui. Você pode senti-los, mas não pode ouvi-los. É por isso que quando você tem uma música básica, você pode sentir a base, mas nem sempre ouvi-la. Se eu clicar com o botão direito do mouse, escolha o tipo, quero tê-lo como um passe alto. Então, basicamente, estou alinhando todas as notas altas, todas as notas acima ou além de uma, fique bem, mas isso elimina toda a extremidade baixa ou baixa. Então, clique em passa-alto, como você pode ver, ele cria essa curva. Mas eu quero ter certeza de que é um corte muito íngreme. Íngreme. E se eu clicar em um, posso movê-lo. Se você rolar para cima ou para baixo, poderá ver como isso muda. E vou fazer com que caia na linha e cortá-la em cerca de 80 hertz. Agora, se eu pressionar play sobre isso, essa é nossa primeira progressão de quatro acordes usando um piano. Agora, se eu pressionar Play, você ouvirá isso soa como em alguns tambores. Agora, para tornar esse som um pouco mais em camadas e um pouco mais completo, quero adicionar outro instrumento aqui, que será algo um pouco corajoso. Então, o que você pode fazer é se você tiver um plugin pago, vou dizer que normalmente usaria o RF nexus. Portanto, este é um plug-in pago que tem vários instrumentos diferentes. Mas neste episódio, vou usar um dos plug-ins padrão apenas para garantir que você entenda e tenha acesso a ele também. Então, o que eu vou usar é usar uma solução inofensiva para fechar isso. Quero excluir esse nexo de RF porque não é o que estamos usando. E se eu clicar nisso, você pode ver como ele cria um sintetizador. Vou encaminhar isso para o número 11. Vou chamar esse código de sintetizador. Faça-o roxo. Boom, incrível. Agora, o que vou fazer é ajustar alguns dos sons aqui para fazê-los soar um pouco mais, saudáveis, um pouco mais sintetizados, e fazer com que o acorde soe um pouco mais atmosférico. Então, o que eu posso fazer é clicar rapidamente, clicar com o botão direito , copiar, colar e você terá exatamente os mesmos acordes para este instrumento. Pressione Play. Agora, isso soa um pouco duro demais para mim. Então, vou clicar aqui. Agora, o que posso fazer é escolher um uníssono. Então, essa é basicamente a quantidade de vezes que o acorde é tocado em diferentes oitavas. Então, se eu fizer um e passar para cerca de sete, você ouvirá como soa muito mais aberto. Eu posso ir mais alto e ir até nove. Novamente, isso é muito bom. Agora, o que eu posso fazer são esses botões no centro, eu posso realmente mudar a frequência e ajustar se eu quero que todo o espectro saia ou se eu quero um espectro mais baixo. Então, escolhendo e diminuindo essa frequência e pressionando, Ok, eu gosto disso. Mas o que vou fazer agora é adicionar alguns efeitos lá. Então, novamente, clique em Control L, encaminhe-o para esse número 11, adicione um pouco de reverberação. Reverbere, talvez, diga 15. Mas o que vou fazer desta vez é muita reverberação para ficar. Mas eu quero que a entrada bruta desse instrumento que está entrando nesse plug-in, esse plugin de reverberação seja muito menor que a reverberação. Então, se eu clicar e atingir 70%, isso significa que apenas 70 por cento do instrumento musical original tocará, e o resto será reverberação. Então, vamos ouvir como isso soa. Vou manter isso em torno de 35 por cento porque isso adiciona muita atmosfera. Faça o caminhão. Quando eu jogo os dois juntos. Agora, como esses dois instrumentos estão no mesmo canal em códigos, esses instrumentos já serão colocados nesse padrão. Então, se eu pressionar Play, perfeito, o que fizemos aqui hoje criar alguns acordes e colocá-los em uma melodiosa ou progressão e anexá-los à nossa batida de bateria do episódio três. Em nosso próximo episódio, veremos o uso áudio x e amostras para engrossar a mixagem. Isso nos permitirá fazer uma música com subidas e varreduras. E também os efeitos que precisamos criar para fazer uma queda que cairá em uma boa liderança, que faremos um episódio depois disso, que é o episódio cinco. 6. Como adicionar amostras e efeitos: Olá, bem-vindo ao episódio quatro desta aula sobre como usar o FL Studio 20 e nossa jornada para fazer nossa primeira faixa de house tropical. Até agora, trabalhamos no FL Studio, onde apresentei a você os vários painéis modulares. Fizemos nossa primeira batida de bateria. Analisamos plugins e amostras e transformamos nossos primeiros códigos em uma melodia em nosso último episódio. Neste episódio, veremos como podemos usar efeitos de áudio e amostras para engrossar a mixagem. E vamos fazer isso começando com algumas varreduras, que são usadas para aumentar a tensão e liberar a tensão nas músicas antes de começarmos a adicionar o doce. Então, o que vamos fazer é organizar nossa composição na área da playlist para movê-la de apenas quatro compassos para 16 compassos. Então, copie e cole rapidamente. Arraste para cima. Agora você pode fazer isso copiando e colando ou simplesmente clicando e arrastando. Novamente, é fácil clicar e arrastar. Agora, para que as varreduras sejam eficazes, queremos aumentar a tensão na pista. O que podemos fazer é remover os tambores dos primeiros quatro compassos. Dessa forma, só temos os acordes instáveis tocando. E então, pouco a pouco, vamos introduzir elementos de bateria diferentes na faixa. Então, o que vou fazer é voltar ao meu padrão de bateria e clicar com o botão direito do mouse. Vou clonar dessa forma, agora tenho um segundo. E eu vou renomear isso para renomear. E eu vou chamá-lo de snaps. Agora, no padrão de encaixes, vou cortar todos os instrumentos desnecessários. Além do snap. O que eu quero é apenas uma foto tocando a cada segunda batida. Então, se eu pressionar play, isso reproduz todas as inusitações. O que eu vou fazer é colar esses snaps aqui. Agora, para aliviar a tensão. O que vou fazer é usar algumas varreduras. Agora, as varreduras são feitas em amostras. Então, se eu for para o volume da minha Caxemira para pasta, vá até meus efeitos. Eu tenho bons altos e baixos. Ups são alguns exemplos aqui. E então as varreduras passam de um alto para um baixo. Agora, esses são muito bons. Novamente, como mencionei, ao aumentar a tensão ou aliviar a tensão na música. Então, o que vou fazer é criar nossa própria suíte do zero para que, se você não tiver amostras com varreduras, possamos fazer uma nós mesmos. E a melhor maneira de fazer isso é simplesmente usando o ruído branco. ruído branco pode ser manipulado várias maneiras na criação de música e no estúdio EPA. E uma das maneiras pelas quais eu gosto de usar o ruído branco é adicionar altos e baixos de varredura. Então, primeiro de tudo, vamos abrir um novo padrão, padrão para renomear. E vamos digitá-lo como doce. Vou fazer isso azul. Então eu sei que isso é um efeito de áudio. E então eu vou até a barra de plugins. Vou usar geradores, VSDs em frutas e depois escolher três x o sc. Então isso é três vezes o oscilador. Clique com o botão direito sobre isso, arraste e coloque no meu rack de canais. Você verá essa guia modular aberta. Agora, o ruído branco é essa desmontagem. Se eu clicar no ruído branco em todos os três osciladores, isso significa que cada oscilador estará criando ruído branco. Se eu fechar isso e adicionar isso a um canal. Então, vamos colocar isso no Canal 15. Novamente, deixando algum espaço para mais acordes no futuro. Vou colocar 15 e, em seguida, clicar com o botão direito em Renomear. E eu vou chamar isso de varredura azul. E agora vou controlar L no mixer. E dessa forma, ele se vincula a essa coluna. E eu sei que essa é a varredura. E agora o que eu vou fazer é simplesmente adicionar um acorde em qualquer lugar neste rolo de piano porque o ruído branco não tem Octavia é um som estático simples que você pode ver agora. Vou colocar isso em quatro barras, até a quarta barra, diminuir o zoom. Você verá como isso vale para bares. Feche isso. E se eu colocar isso na playlist, você verá que agora essa varredura tem quatro compassos, mas por si só não significa nada. Então, o que queremos fazer é adicionar alguns efeitos a essa varredura para que ela se acumule e fique lentamente mais alta. Então, uma maneira de adicionar muita tensão é remover um pouco da batida da bateria do 5678 continuar adicionando mais fotos. E agora vamos trabalhar nessa varredura no padrão para N 15. A primeira coisa que queremos fazer é colocar um. E o que queremos encontrar é nossa pasta gratuita de frutas. Eu clico no filtro Gratuito, Gratuito. O que isso faz é simplesmente alterar as frequências do som de acordo com o mostrador. Se eu pressionar play. Uma maneira de ver visualmente como esse pop-up funciona é ir ao slot dois e adicionar um equalizador paramétrico. Então, o que usamos antes para fazer as diferentes mudanças de frequência nos códigos. Se eu pressionar Play, vejo o que acontece quando eu movo a barra de frequência. Ele desce o espectro para cima. Então, o que isso faz é permitir que eu faça diferentes frequências do ruído branco. Então, o que vamos fazer é apresentar a vocês agora algo chamado automação. A automação é um processo automático do efeito. Então, se eu clicar com o botão direito do mouse, eu controlo essa área e destaque a coluna inteira, depois clico com o botão direito na frequência. Depois, crie um clipe de automação. Você verá uma barra gráfica aparecer instantaneamente na área da lista de reprodução de arranjos. Agora, essa linha representa essa posição. Então, essa linha aqui representa 951 hertz. Se eu mover isso para cima e seguir a lista de reprodução, você verá como esse número mudará à medida que você subir. Então, o que fizemos aqui foi automatizar esse botão. Então, uma coisa que eu gosto de fazer é começar bem baixo em cerca de 120 hertz. Então aí. E então eu quero que ele aumente progressivamente em frequência à medida que avançamos. E uma coisa que você pode fazer é mudar o ângulo dessa linha para torná-la mais alta ou mais silenciosa. Vou te mostrar um exemplo em um segundo. Então, se eu colocá-lo nessa forma côncava e pressionar Play, você verá como isso agora criou aquela boa tensão, esse acúmulo, aquele aumento na pista. Isso é o que você pode fazer para fazer quedas e aumentar essa tensão. E quando finalmente desmarcarmos o press play desde o início, veremos essa tensão aumentar com os acordes e os snaps. E então, de repente, surge uma pista de varredura, seguida pela batida do tambor. É assim que usamos varreduras para aumentar a tensão por uma gota. Agora, uma coisa que eu gosto de fazer é que depois de aumentarmos essa tensão e precisarmos deixá-la cair e desaparecer, precisamos da energia para liberar. Então, uma coisa boa que podemos fazer é usar uma montagem do nosso kit de bateria. Então, se voltarmos ao nosso navegador e acessarmos nossos pacotes, tambores, pratos, seus muitos símbolos que podemos escolher, que adiciona um toque agradável logo após a varredura chegar ao fim no final da oitava barra. Então, vamos escolher um prato elétrico. Podemos arrastá-lo e colocá-lo diretamente na playlist. Agora, esse símbolo de colisão por si só soa de curta duração. Vou te mostrar o que quero dizer agora. O que queremos fazer é adicionar alguns efeitos a essa falha para que soe um pouco melhor nesse buraco e tenha um pouco mais reverberação e ressonância. Então, clicar duas vezes na falha nos permite mudar a faixa. E como você pode ver na batedeira na parte inferior, ela muda. Então, vou adicionar esses dois números 16. Vou continuar fechando isso. E neste menu suspenso, podemos ver os diferentes canais que temos. Portanto, temos todos os instrumentos não classificados que não foram colocados em categorias diferentes. Temos todos os clipes de automação. Então esse é o filtro gratuito que temos aqui para a varredura. Então, se formos para o áudio, essas são todas as amostras que usamos diretamente na playlist. Então isso é um acidente. Se eu clicar com o botão direito do mouse e nomear esse símbolo esmagado, seguido de mudar a cor para azul novamente porque é um efeito ou uma amostra. E então vá para 16 Control L. E agora eu tenho o prato de colisão lá. Agora eu quero adicionar um pouco de reverberação. Quero adicionar um pouco de atraso e quero adicionar um pouco de espessura ao prato de choque. Então, vamos continuar com o prato de choque e adicionar um pouco de reverberação. E então vamos fazer com que isso chegue a cerca de 25 ou 38 por cento. Diminua isso para cerca de 80 por cento. E agora, se tocarmos isso, isso já soará um pouco melhor. Agora, uma coisa que podemos fazer é tirar um pouco da profundidade desse acidente. Queremos torná-lo um pouco pequeno, com uma frequência um pouco mais alta. Assim, podemos ir para o EQ, novamente, equalizador paramétrico para. E podemos abaixar o, abaixar a base para que tenhamos apenas os médios baixos até os agudos sendo tocados e todas as notas secundárias e graves desse símbolo ou não presentes. Então, novamente, vamos usar o pergaminho para deixar esse pouco íngreme, abaixá-lo um pouco. E agora vamos jogar. Isso já soa um pouco melhor. Agora, uma coisa a observar no mixer são esses slots. Os efeitos diminuem em ordem decrescente. Então, o efeito no número dez será o último colocado no som. Então, primeiro a reverberação é aplicada, depois passa por um equalizador, e agora eu quero atrasar e adicionar um pouco de atraso de pingue-pongue ao prato de colisão. Então, o laser é uma boa maneira de preencher novamente o som. Se eu entrar no slot três e continuar selecionando, e vou escolher Fruity delay three. Agora, eu realmente adoro usar esse plug-in como um, novamente acrescenta esse condicionamento físico. E o que eu vou fazer é escolher pingue-pongue. Dessa forma. O atraso vai de um ano para o outro. E então eu vou ligar a umidade. Tão seca é a entrada da linha e úmida é a saída. Então, se eu escolher molhado e diminuí-lo para cerca de 50 por cento e pressionarmos Play, você verá agora como esse prato de colisão atrasa e o pingue-pongue fica entre a orelha esquerda e a direita. Perfeito. Agora eu acho que isso é bom. E uma coisa que eu faço agora é apenas reorganizar o que fizemos até agora para que se acumule perfeitamente em uma gota. E no próximo episódio, vamos adicionar um subbaixo à faixa para fazer com que pareça um subbaixo à faixa para fazer um pouco mais BC e tenha um pouco mais de personalidade. Então, se eu destacar todas essas faixas aqui com a batida principal estendida por uma barra adicional. Acordes em. E então mova todas as varreduras e os símbolos. Essa área pode manter os encaixes transversais. O que fizemos foi adicionar quatro barras extras aqui que nos permitirão adicionar o subbaixo e preencher a faixa. Espero que tenha sido uma lição útil. E no próximo episódio, vamos adicionar algumas bases e misturar o baixo e a bateria para garantir que eles soem e soem coesos e funcionem bem um com o outro. 7. Como incluir o sidechain e o sub-baixo na mistura: Olá, bem-vindo de volta ao episódio cinco desta aula sobre como usar o FL Studio 20, onde estamos em uma jornada ou fazendo nossa primeira faixa de house tropical, que usa uma mistura de códigos realmente melodiosos com snappy batidas de bateria e uma base muito boa. Agora, falando sobre base, é nisso que o episódio cinco será focado. Até agora, temos nossa pista que consiste em Coats, snaps, uma varredura, um filtro de automação para a varredura, um prato de emergência e, em seguida, uma bomba P tropical house beat. Agora, com qualquer boa música de house tropical, precisamos ter alguma base. E esse é o foco principal da aula de hoje: usaremos alguns dos plug-ins padrão FL Studio para criar uma subbase, que será muito poderosa e você sentirá isso. no seu carro quando você está usando isso. Ouça isso por meio de seus fones de ouvido ou de qualquer dispositivo musical. Então, primeiro de tudo, vamos tocar o que fizemos até agora e ver como soa. Então, no último episódio, pouco antes de eu assinar, estendi a faixa para adicionar mais quatro compassos aqui entre 58, que possamos começar a ter algum espaço para adicionar nosso subbaixo. E a forma como vamos fazer isso agora é criando uma base. Então, se clicarmos com o botão direito do mouse, podemos ver todos os padrões que temos até agora. E o que vamos fazer é adicionar outro padrão. No padrão cinco, vamos chamar isso de subbaixo. Capitais. O que eu vou fazer é amarelo. Então eu faço com que toda a minha base seja amarela, pois isso me ajuda, como mencionei no primeiro episódio, a organizar meu mixer. E quando se trata da fase final de mixagem e masterização, é muito fácil para mim. Ok? E agora, na categoria de subbaixos, vamos para plugins. Então, acesse o banco de dados do plug-in no navegador ou clique no símbolo desse plug-in aqui. E clicar nisso exibirá todos os plug-ins que você tem de uma forma mais visual. Então, se usarmos o oscilador três vezes ao usá-lo na varredura para cima, clique e arraste-o até aqui. Agora, antes de realmente trabalharmos nisso, conecte , feche isso e vamos movê-lo para o número 20 em nosso mixer. Agora, clique com o botão direito aqui, renomeie e chame de subbase e torne-a amarela. Dessa forma, eu conheço esse espaço. Agora estamos no 20, vá para o número 20 no controle L do mixer, e ele automaticamente é vinculado a isso. Agora, uma maneira de trabalhar no baixo é se você já sabe que as quadras estavam usando a, um menor, F, C , G ou um major neste caso específico, como vimos corretamente, que na verdade soava um pouco mais grossista e um acorde maior em comparação com o acorde menor. Mas se você conhece o código, pode fazer isso sozinho. Ou se você é novo em acordes e não está muito familiarizado com o rolo de piano virtual aqui. Você pode fechar isso, voltar para a seção principal do código. Mas você tinha os códigos originais e trabalhou neles e depois copiou para o novo padrão. Então, para facilitar, usaremos esse padrão e clicaremos. E a primeira coisa é que vamos mudar as oitavas desses osciladores. Queremos que todos eles sejam 0. Então, se você arrastar, coloque tudo em 0, automático 0, isso garantirá que todos os três osciladores estejam usando a mesma onda senoidal na mesma oitava. Se eu fechar isso, se eu clicar com o botão direito do mouse no piano roll, vou examinar a octanagem diferente agora e você ouvirá a diferença de como o subbaixo funciona. Então, clicando aqui. É uma onda senoidal muito aguda. Então você já pode ver isso no A3. Portanto, a terceira oitava é onde está a melhor subbase. Agora isso muda dependendo dos acordes. Alguns tribunais são tão profundos, ou seja, se você foi a um C S3, você realmente não consegue ouvi-lo. Então você quer usar um C4. Então, ao brincar com isso, você verá quais acordes funcionam melhor para você. Normalmente, todos os códigos acima de a e C3 funcionam muito bem, mas você pode ir tão baixo quanto E. Se você tem fones de ouvido muito profundos, são ótimos monitores de estúdio para você ouvir isso. Então, o que vamos fazer, uma maneira fácil de trabalhar, é trabalhar na mesma oitava de nossas citações. E então vamos arrastá-lo e depois vamos arrastá-lo para baixo. Então, no primeiro trimestre, temos F, C e depois G. Agora, se você controlar, arrastar e selecionar todos eles, vamos reduzir isso até o A3. O que vamos fazer é ver se a base é audível em todos esses acordes antes de tocá-los junto com os acordes. Então, vou desativá-los ou fechá-los para abrir isso e pressionar play. Então, instantaneamente, podemos ver como o a3 está bem. F três não é tão audível quanto eu gostaria. Então, o que podemos fazer é apenas escrever arroz. Arroz, arroz, arroz, arroz. Podemos ouvir isso? Então, agora temos um a3 e a4 audíveis, um C4 audível e um G3 auditável. Se eu jogar isso. Ótimo, perfeito. Agora, vamos ver como soa com os acordes. Perfeito. Agora, se você quiser adicionar um pouco mais de amplificação à base para que ela soe um pouco mais alto. O que podemos fazer em nossa mistura de faixas é adicionar alguns efeitos. Então, a primeira coisa que eu gosto de fazer é acessar o equalizador paramétrico e ter certeza de que estamos filtrando todas as frequências que não precisam estar lá. Portanto, neste caso específico, queremos ter certeza de que nossas frequências estão sendo reproduzidas apenas em Sub e Base. Então, se você pressionar play a ressonância, toda a ressonância que vem com as linhas principais do código. Queremos nos livrar deles. Eu quero amplificar o subbaixo. Então, primeiro, podemos clicar com o botão direito do mouse e torná-lo um filtro passa-alto e alterar a inclinação para oito e reduzi-la para cerca de 40 hertz. Em segundo lugar, vamos para o número três e digitamos I, tornando-o um passe baixo. Dessa forma, ele corta todas as outras frequências. Agora vou usar a roda de rolagem e rolar para baixo. Então, chega à linha de 0 dB e, em seguida, mova-a aqui para que toquemos apenas música neste envelope. Agora, se eu levantar isso e pegar meus dois e colocá-lo no meio, você pode ver como eu posso levantar esse envelope para amplificar, tornar a base mais alta ou mais silenciosa. Então, vamos jogar e experimentar. Perfeito. Agora, o que fizemos foi isolar as frequências de nossa subbase e agora podemos ouvi-la um pouco mais alto. Mas eu, pessoalmente, gostei da base muito forte. Então, vou fechar isso e meu slot número dois, vou adicionar o reforço à base de frutas. Se eu clicar aqui e abrir isso, o que eu quero fazer é aumentar a base em uma frequência específica. Agora, você pode ver aqui, na maioria das nossas frequências básicas, lie é o acorde F. Então, o que eu quero fazer é aumentar a frequência da corda F. Então, pressionando play, isso é cerca de 80 ou 90 hertz é a frequência do código F. E eu quero aumentar essa parte para que fique um pouco mais audível. Então, vamos subir para a frequência de 890 hertz, e vamos jogar isso. Agora temos nosso subbaixo. Agora, como fizemos antes, tínhamos um padrão e vou recortá-lo, ir para o padrão baseado em conjuntos e colá-lo aqui. Por enquanto, temos nosso padrão de sub-graves. próximo passo é colocar esse padrão baseado em conjuntos no arranjo da playlist. Agora, onde criamos esse espaço anteriormente entre 58, vamos adicionar o subbaixo aqui. Então, se eu clicar aqui, você pode ver o subbaixo aplicado. E não queremos que o subbaixo entre e saia. Queremos que ela realmente esteja na música a partir desse ponto até o lançamento. Então, se eu pegar isso e arrastar, agora temos o subbaixo em toda a música. Se eu pressionar Control e clicar na barra superior que desmarca a seleção, vá para o início. Vamos ver como isso soa com o baixo secundário. Perfeito. Agora, alguns de vocês devem estar cientes de que baixo e bateria andam de mãos dadas. Quando se trata do bumbo, o bumbo em si é um componente musical de subfrequência de baixo. E o que não queremos fazer é modelar os dois. Então, quando tocamos baixo, queremos ter certeza de que ainda podemos ouvir o bumbo através dessa base. Então, uma das coisas que vou apresentar a vocês agora é chamada de encadeamento lateral. encadeamento lateral basicamente significa que sempre que chutamos o bumbo, ele cria um pouco de espaço ao diminuir o volume do subbaixo. E uma das maneiras mais fáceis de fazer isso é baixando um plugin chamado Kickstarter. Agora, este é um plugin gratuito pessoal da TV a cabo que você pode baixar. Então, foi produzido ao lado de Nikki Romero. Então, se você o conhece, ele é um produtor conhecido. E esse plugin permite que você encadeie automaticamente qualquer canal que esteja na faixa do mixer. Então, uma maneira de mostrar isso é que agora coloquei o Kickstarter no mixer baseado em conjunto. E se eu pressionar Play, você verá como, nos primeiros segundos da barra, o kick-start, houve um tipo de efeito do Kickstarter, que basicamente significa que diminui o volume do você verá como, nos primeiros segundos da barra, o kick-start, houve um tipo de efeito do Kickstarter, o que basicamente significa que diminui o volume do sub bass por essa fração segundo e depois aumenta novamente. Então, vamos ouvir. Ouvimos dizer que essa mudança de volume. Então é aqui que o chute vai ser. E então você ouvirá o baixo seguindo. Então, agora, se formos aqui para nossa área de batidas de bateria no rack de canais, apenas como um testador para mostrar como é isso. Vou arrastar isso um pouco. E eu vou colocar um bumbo em cada batida dentro dessas duas barras e depois pressionar Play. Você vê no mixer de subbaixo, como dá o chute agora, há uma queda no volume. Se eu desativar os dados de chutes, você verá como eles ficam um pouco confusos. Abrir espaço para seu bumbo é muito importante porque em toda música eletrônica ou música produzida eletronicamente, o bumbo é de longe o instrumento mais importante pois mantém o ritmo. da música inteira. É importante lembrar que a corrente lateral é necessária em todas as músicas que você faz, onde bumbos são mais pronunciados e você tem muitos subbaixos que gostaria que existissem ou coexistissem com eles. Agora, você pode usar o Kickstarter para fazer o encadeamento lateral, ou você mesmo pode dizer encadear usando alguns plug-ins padrão no FL Studio. Mas, como mencionei, o Kickstarter é um plugin gratuito que você pode baixar online. Mas para facilitar a acessibilidade para quem ainda não o baixou. Vou mostrar como fazer cadeias paralelas usando alguns plug-ins que estão presos no FL Studio. Então, vou clicar nesse botão verde aqui e desabilitar o Kickstarter. E vamos fazer nossa própria cadeia lateral usando o mixer e um plugin chamado limitador de frutas. Então, se eu for para o slot ten, selecione e eu escolho n limitador de frutas. Isso carrega neste gráfico com alguns botões na parte inferior com volume, envelope e porta de ruído. Agora, o que queremos fazer é querer, queremos uma corrente lateral, o bumbo para o subbaixo. Então, se eu for até aqui até o bumbo na batedeira, você verá essas linhas aqui. Então, essas linhas são essencialmente como fios falsos, o que basicamente significa que estão sendo roteadas para algo. Então, esse bolo em particular está sendo encaminhado para o canal principal. Mas o que eu quero fazer é uma corrente lateral, o bumbo na base também. Então, se eu clicar nisso, vou até o subbaixo e clico com o botão direito nesta pequena seta aqui embaixo. Eu tenho algumas opções, então eu posso direcionar toda a batida de bateria para este canal. Ou por que posso encaminhá-lo sozinho para este caminhão e garantir que ele não vá para o canal principal ou sua corrente lateral até essa pista. Agora, o que eu vou fazer é clicar na corrente lateral para rastrear, e você verá esse fio que é lançado através do subbaixo do k. Agora, essa é a nossa corrente lateral conectada, o que queremos fazer é fazer certeza de que a corrente lateral é mais proeminente e mais pronunciada quando o bumbo chega. Portanto, a melhor maneira de fazer isso é pressionar Play. Agora você provavelmente está pensando, se mudamos para o subbaixo, por que o volume do set brace não está diminuindo? Bem, isso porque primeiro precisamos tornar essa cadeia lateral de plug-ins compatível. Então, se formos para a composição ou a área computacional do limitador, você verá essa opção aqui chamada cadeia lateral. Se eu clicar com o botão direito do mouse, você verá como, como direcionei o chute para o subbaixo, tenho a opção de fazer a corrente lateral do chute com o volume. Se eu escolher chutar, agora tenho a opção de alterar o limite em que essa cadeia lateral ocorre. Então, o que eu vou fazer é colocar o limite na metade do subbaixo. E então você pode alterar a proporção. Portanto, quanto maior a proporção, mais pronunciada é a corrente lateral e o joelho apenas a ajusta na linha para que você possa ver como o joelho é quase como os efeitos pós-Cij n. Então, se eu escolher isso e chegar até a frente, você pode ver como agora, se eu pressionar Play, você vê como o subbaixo diminuiu um pouco. Vamos fazer o mesmo, mas vamos aumentar o limite. Então, nós realmente temos um grande efeito de cadeia lateral. Novamente, o mesmo efeito de usar o Kickstarter, mas há um pouco mais de detalhes em mais coisas que você precisa fazer para alcançá-lo. Mas a vantagem de usar o limitador de frutas é que você tem controle total sobre o limite e a proporção de quanta cadeia lateral deseja aplicar ao subbaixo. Então, vamos deixar isso para cada limitador como nosso plug-in de cadeia lateral. E eu vou deletar o Kickstarter. Não precisamos disso agora. Substitua Excluir. E agora o que temos é uma base de corrente lateral para nossa pista. Vou remover rapidamente todos esses bumbos do R sub bass. E agora podemos pressionar Play. Perfeito. Neste episódio, aprendemos como criar um subbaixo. Aprendemos como fazer com que se misture com a bateria e como adicionar uma corrente lateral. No próximo episódio, agora vamos nos concentrar em uma pista. Portanto, o gancho ou o cabo são muito importantes, pois geralmente é isso que se prende a um ouvinte de áudio. Ou geralmente é o driver da música e é a coisa que você mais lembra. Então, vamos tentar trabalhar em uma pista atraente em nosso próximo episódio, que então unificará e criará nossa primeira faixa de house tropical. E estou ansioso para ver você lá. 8. Como usar o equalizador e o que ele é: Ei, bem-vindo a outro vídeo. Neste vídeo, veremos como usar equalizadores e como eles podem ser usados para ajudar a gerenciar suas frequências e sons. Como podemos usá-los para realmente mudar o design de qualquer instrumento que você usa em sua faixa. Neste vídeo em particular, vamos começar com apenas alguns acordes simples e como podemos usá-los para mudar o som de um piano e como, uma vez que você coloca esses acordes em camadas, o som realmente faz com que ela se manifeste em algumas novas formas. E o que vamos fazer é começar com um piano simples. Portanto, se você é novo no FL Studio, pode usar as teclas FL ou se tiver alguns plug-ins. Eu particularmente gostei de usar chaves viciantes. Acho que oferece muitas variações e bons pianos. E neste caso em particular, vou usar um piano de cauda padrão de estúdio e fechar isso, e vamos abrir o piano real. Então, neste caso em particular, vou usar alguns acordes básicos, um a. Vamos estender esses acordes. E vamos fazer a, C, a, G, C, G, D. E vamos fazer um CGD. Então, se você está se perguntando como eu sei quais ferramentas usar, como mencionei no meu vídeo de introdução, meu guitarrista. Então, eu sei um pouco sobre progressões de acordes e quais acordes funcionam bem uns com os outros. Vou fazer um vídeo dedicado sobre progressões de acordes, como fazer melodias na série. Mas, por enquanto, acredite na minha palavra e use alguns dos acordes principais que estou usando. Ou se você souber, cerca de quatro acordes, um menor, F, C, G , E menor, C, G, D, todos eles funcionam muito bem juntos. Mas para esse caso em particular, vamos direto para esses acordes e ver como isso soa. Ótimo, existem códigos. Então, o que vamos fazer é colocar isso no número cinco e em nosso mixer. E como eu gosto de fazer, eu sempre gosto de coordenar as cores de todos os meus canais com o meu mixer para que eu saiba onde estou, Control L e seus links estão lá embaixo. Portanto, existem alguns equalizadores diferentes que você pode usar no mercado. Existe o equalizador paramétrico que eu gostei muito de usar, que é um plug-in de parada. E há outros, como fab filter, mas que. Mas para esse caso específico, supondo que você esteja usando apenas plug-ins padrão, vamos dar uma olhada no EQ paramétrico. Então, se você não está familiarizado com este plugin, é simplesmente um espectrômetro que permite que você veja as frequências do som que está passando por ele. Nesse caso em particular, se pressionarmos Play, aqui, vimos uma série de linhas de pintura e algumas grossas. Essas são as frequências principais que os códigos estão produzindo e, em seguida, elas ressoam nessas frequências principais. Se você olhar novamente, há algumas linhas muito grandes e fortes com algumas linhas tênues ao redor. Então, o que o equalizador de equalizador paramétrico permite que você faça é manipular quais frequências são ouvidas. Agora, quando se trata de criar uma faixa, é muito importante garantir que não haja espaço entre cada um dos instrumentos. E se você quiser que um instrumento específico tenha um foco específico, você pode usar o equalizador paramétrico para realmente bloquear todas as outras frequências necessárias. Nesse caso específico, gosto de usar equalizações múltiplas em meus instrumentos. Dessa forma, posso usar cada um para um propósito diferente. Então, o primeiro que eu normalmente faço é que gosto de cortar com altos e baixos custos, porque há certas frequências que você não consegue ouvir. Apenas o ouvido humano pode ouvi-lo, mas pode deixar o som um pouco turvo se você tiver muitos outros instrumentos em sua faixa. Então, simplesmente 17 no final do espectro. Então, seus agudos e seu sub, agora um piano não tem subbaixo, e se tiver, você não pode ouvi-lo. Então, vamos para o número um. Faça disso uma passagem alta e aumente a inclinação lá. É um corte muito nítido. Rolar a roda permitirá que você apenas ajuste a fila ou o Q da frequência. Então, para cima ou para baixo, vou colocá-lo no meio e vou cortá-lo assim que ele atingir o meio da base sobre o número dois. Pouco antes, na verdade, vamos mantê-lo em 90 hertz. 100 hertz. E então, de repente, eu vou fazer o mesmo, exceto que desta vez eu vou fazer um passa-baixo porque basicamente eu quero todo o som com menos de B7 passe por uma ordem passa-baixa, íngreme, novamente até o centro. Vou colocar isso em cerca de 1213 mil hertz porque depois disso fica muito pequeno e você não vai ouvir de qualquer maneira. Então, vamos pressionar Play agora e dar uma olhada em como isso soa. E se eu ajustar o Southern para que a alta frequência seja mais baixa, você verá como isso muda o som. Então, normalmente, você tende a se livrar dos agudos ou das frequências agudas quando deseja adicionar um som suave e dramático aos seus instrumentos. Então, neste caso em particular, quando você abaixa o sete até cerca de 2 mil hertz, ele tem um som muito claro, escuro e suave. Você pode ajustar a única etapa de pontos para torná-la um pouco mais rasa. Perfeito. Então eu mencionei antes que às vezes eu gosto de usar vários equalizadores e um piano. Então, vou colocar isso em cerca de 13 mil hertz, baixar isso para cerca de 70. E então eu vou adicionar outro equalizador paramétrico. Esse caso em particular. Agora você pode ver que todas essas frequências além de um e além de sete não estão mais lá. Então, o que posso fazer agora é manipular o som dentro desses parâmetros. Tente realmente fazer com que o piano soe um pouco mais saudável e um pouco mais para aumentar um pouco os médios da faixa. Uma dica importante é que, se você passar o mouse sobre qualquer um desses números e rolar para cima ou para baixo, ele fará variações maiores ou menores ao longo da linha. Então, se eu fizer todo o caminho , descer até cerca de 5%, você pode ver como é muito íngreme. Mas ao aumentar isso para 40, 50 ou 60, etc., fica cada vez mais largo. Então, ele permite que você manipule o som ao seu gosto. Novamente. Então, isso é usar equalizações com o piano. E, da mesma forma, equaliza uma muito importante quando você está usando subgraves é porque você deseja isolar apenas as frequências de sub-graves em sua faixa. E você pode ver um tutorial sobre como eu fiz isso em um dos meus vídeos chamado adicionar subbaixo à mixagem, onde eu mostro como eu isolo o subbaixo. Então vá e confira esse vídeo e espero ver você no próximo. 9. O conceito por trás da construção do acordes e da progressão: Ei, então pensei em fazer um pouco de teoria e ensino hoje. E vamos basear essa aula na construção de acordes e progressões de acordes. Então, escrever ou criar códigos é uma das coisas mais importantes como compositor e produtor. Como os códigos são a parte fundamental da sua música, eles ajudam a inspirar humor e emoção. E se você é novo em fazer música ou mesmo se seu intermediário avançou isso, sempre há uma habilidade muito importante em ser capaz de criar os códigos certos para suas melodias. Então, antes de começarmos a construir códigos, vamos falar um pouco sobre as progressões de acordes. As progressões de acordes são uma série de dois ou mais códigos usados em uma peça musical. Eles normalmente são representados por números romanos. Então, eu tenho algumas fotos aqui, que ajudarão a explicar um pouco melhor. Então, aqui você pode ver uma vez que ele carrega 12 segundos depois, não a gota. Aqui você pode ver uma pequena imagem aqui que mostra algumas das principais progressões de acordes que existem na música. Portanto, normalmente é representado por números romanos. E como você pode ver aqui, a próxima linha abaixo mostra uma mistura de maiores menores e maiores e progressões de acordes diminuídas. Agora, isso pode parecer um pouco confuso, mas a mesa funciona da esquerda para a direita. Então você pode ver aqui onde, se você estivesse procurando em uma primeira progressão de acordes maior, temos todas as unidades principais, então vá até G. Mas se você quisesse descobrir quais acordes funcionam no escala de a, você pode dizer, Ok, bem, se eu estivesse olhando para a progressão de acordes maiores de a, você escolheria a, B, C nítido ou C menor, dependendo da escala. Ré maior, Mi maior, Fá menor e G afiado diminuíram ou G menor diminuíram. Então, vamos experimentar isso. Então, se estivermos analisando a progressão de acordes um, vamos ver como soa a, B, C nítido, D no teclado. Então a, a, B, C sharp. Vou mover isso para minha outra tela, a, B, C-sharp. E então repete aqui que agora essa é a escala. E, obviamente, isso não soa como um acorde. Então, agora, o que vamos aprender a fazer é como criar núcleos a partir de escalas. Então, vou colocar essas imagens na aula para que você possa usar essas grandes progressões de acordes para sua própria orientação. Mas agora vamos dar uma olhada na construção de progressões de acordes. E com esses códigos de construção. Uma das formas mais importantes, e acho que as mais fáceis entender códigos, é usar o círculo dos quintos. O círculo dos quintos é essencialmente um grande círculo gráfico circular aqui, como você pode ver, e é dividido em maiores, menores. E no lado direito, temos algumas lojas, e no lado esquerdo temos os apartamentos, como você pode ver aqui. Portanto, essa é uma maneira muito útil de criar códigos. Então, deixe-me resolver isso do lado direito. No grande círculo escuro, temos todos os cursos principais. E no azul claro no centro, temos todos os pontos negativos. Então, se eu estivesse olhando para um acorde maior, em primeiro lugar, a razão pela qual ele é chamado de círculo dos quintos é porque o código ao lado dele à direita é o quinto, é um quinto ou um quinto perfeito longe do acorde ou a nota. Então, vamos dar uma olhada nisso. Então, como você pode ver aqui, C 123456123412345. Então, está a quinta nota de distância. Para que saibamos, agora sabemos que o acorde C termina com um G, como você pode ver aqui. Agora, simplesmente para descobrir qual é a terceira nota na sequência, você desce uma de g, então é um a. Vamos tocar isso como um acorde C. Da mesma forma que acontece se quiséssemos fazer um acorde D. Então, temos D, essa é a raiz. Então raiz. E então temos um como sendo o quinto. Se quisermos saber qual é a terceira nota no centro, é um Fá nítido aqui. Bem, isso soa como um D. Então, novamente, muito bom e fácil. E se quiséssemos ver um acorde menor? Então, vamos remover isso e vamos escolher. Por causa disso, vamos fazer um C menor. C menor. C minus fica no mar, como você pode ver aqui. Então C, mas termina com um G e tem um Mi bemol nele. Então diga G, B bemol. Novamente, você pode ver as diferenças entre um C menor e ver que tudo o que havia era uma mudança de e para fazer feliz, para torná-lo triste. Novamente, o poder de usar cabos. Então, essa é uma maneira muito fácil de entendermos a criação de códigos. E você pode usar esse gráfico. Novamente, vou colocar isso nos arquivos do projeto para que você tenha acesso a eles. E agora vamos entender as relações do uso de códigos. Então, vamos voltar ao gráfico de progressão de acordes. Agora, aqui, como mencionei antes, temos os números romanos, um até sete. Então, vamos começar com as chaves principais. Então, como você pode ver no gráfico útil, se estivermos usando o C maior como exemplo, regressão simples ficaria assim. Então temos um C, você tem um Ré menor, E menor, Fá maior, G maior e um menor e B diminuído. Este é um exemplo, mostra todos os acordes na tonalidade de C. Então, se você olhar para o cânone D, por exemplo, com o cânone D é realmente famoso por Pachelbel. Esse é o, que está no Canon em D. Então, todos esses nós aqui são o que você usa para fazer o cânone D, Novamente, um pequeno gráfico realmente útil para você ser capaz de entender suas progressões de acordes e quais códigos caíram em escala, porque não há nada pior do que ter uma boa progressão de acordes e não saber quais outros códigos podem entrar lá. E então, se formos mais abaixo, também temos a escala menor. Então, se eu mostrar a imagem em pequena escala para você, nós a temos aqui, dois segundos. Aqui está uma escala menor. E, novamente, semelhante à última, temos, temos sete progressões maiores ou progressões menores. E se estivéssemos olhando para a menor, ela seria diminuída, C maior, Ré menor, Mi menor, Fá maior e G maior. Então, novamente, todos esses acordes estão na tonalidade menor e na escala menor, mas a ordem é diferente. Então, vamos dar uma olhada em algumas progressões de acordes populares, como, eu conheço o blues de 12 compassos, que pode ser encontrado em todos os tipos de música popular, que é essencialmente uma das 45. Então, se eu for para o major, então, um de 45, então a, c, f e um g. Então um é C, a, C, F, e depois um G. Então é como La Bamba novamente. Então, vamos espalhá-los um pouco para que pareça. Eu só quero , então isso é apenas em terços agora. Então, novamente, é assim que o pára-choque soa. Não, não, não, não, não, não eles. Mas, novamente, muito fácil. Vamos ver outro famoso. Então, um, uh, 1564, que está na escala C maior. Então eu ganhei 564, que é a, C, G, a, F , C, C, e a, C, G e a, e F, C, G, , F, C, G. Então vamos fazer um F. Esse é provavelmente um dos mais progressões de acordes populares que existem no mundo hoje. Então, como eu disse, bem, cada música pop do mundo tem essa progressão de acordes. Esta é a letra B. Você pode cantar contras. Não importa para isso. Você pode ver muitas músicas nesse ritmo. Então, novamente, essa é uma maneira de fazer isso. E você pode experimentar todos os códigos e isso, porque eles têm a mesma escala, todos soarão bem? É exatamente da maneira que você quer usá-los. Então, se estivermos olhando para a escala de C maior, poderíamos fazer a, a, C e a. C, e a, a, a, a, D e depois G. Novamente. são todos esses acordes. Estamos na chave de C. Nós já fizemos isso foi um C, um D, um C, um C e um D G. Então, um C e um D, G novamente. Então, espero que essa aula tenha sido muito útil dar uma ideia de como fazer chamadas e melodias do Advil. Eu sei que estava um pouco exagerado, mas para mim, uma das coisas mais importantes é experimentar e usar o círculo dos quintos e também usar uma mistura do acorde maior e menor. progressões para entender a música e as progressões de acordes que podemos fazer. Então, espero que isso tenha ajudado e espero ver você na próxima aula. Só obrigado. Feliz produção. 10. A recomposição das altas esperanças Remix de Pânico no disco no não: Ei, então hoje eu pensei que faríamos algo um pouco diferente. E em vez de eu te mostrar como criar sons, vou te mostrar o artigo finalizado. Então, este é o meu remix pirata de Panic at the disk goes high hope. E pensei em lhe dar um pouco de inspiração sobre como você poderia alugar e fazer suas faixas. Sei que, quando comecei a fazer música, acho interessante ver como outros produtores, ao fazerem suas músicas, isso me deu inspiração, e espero que isso lhe dê alguma inspiração. Então, o que eu vou fazer é revisar os acordes que eu uso na estrutura. Vou falar um pouco sobre como eu arranjei a música e os plug-ins e amostras que são usados. Só para te dar um pouco de inspiração. Novamente, apenas um pequeno vídeo nesta aula. E o próximo vídeo depois disso será nós fazendo todas as misturas. Por isso, exorto todos vocês a escalarem o music.com. Vou adicionar o link na área de discussão do canal. Então você pode fazer algumas, pelo menos criar uma conta lá e depois podemos trabalhar no remix amanhã ou no próximo vídeo. Então, antes de começarmos, vamos dar uma olhada nisso e mostrar como a música soa, e vamos detalhá-la a partir daí. Comida adequada seja alguma coisa. Eu posso ver o Destino Manifesto antigamente, pois queríamos tudo. Um em cada museu. Todos os dias. Queríamos tudo nele, tudo. Mamãe está triste. O k fora do peso normal. Perfeito. Agora, eu fiz a música há seis meses. Novamente. Eu estava pesquisando on-line e tentando encontrar a melhor acapella possível. E eu me deparei com essa acapella e, como muitos de vocês produtores ou aspirantes a produtores, tenho certeza de que remixes ou algo que vocês queriam fazer. Foi uma das razões pelas quais eu queria começar a produzir música para poder fazer meus próprios remixes. Então, finalmente, chego lá e vou mostrar como fiz meu remixado para grandes esperanças. Então, a primeira coisa que eu faço é sempre começar com uma acapella. Então, neste caso em particular, comecei com essa Mombaça. Seria ótimo ver a profecia do Destino Manifesto. E o que eu gosto de fazer a acapella é o primeiro planeta, então panoramizá-la em um ano e na outra orelha é uma ótima maneira de criar mais espaço e um pouco mais de atmosfera. E o spread estéreo, como é chamado, uma ótima maneira de fazer com que pareça que você está em um show ou cercado pelo som. Então eu simplesmente comprei a acapella e fiz duas versões separadas. Então eu me salvei, fiz uma amostra única , fiz uma na orelha direita à direita, e fiz a outra panela à esquerda. E os dois estão no mesmo caminho. Então, ambos ainda são o número seis. Em seguida, adiciono alguns efeitos para garantir que todos os altos e baixos sejam removidos para que você não ouça nenhum som pequeno. E depois disso, eu mexi com o equalizador para tentar fazer com que soasse mais vibrante, mas também o mais impactante possível. Um pouco de reverberação, novamente, porque não era uma acapella de estúdio. Havia alguns indícios do instrumental por trás disso. Eu queria usar reverberações para tentar quase deixar isso um pouco confuso, para que não ficasse tão proeminente. E então, finalmente, adicionei um pouco de avaliação de D. O Dsn pode ser feito usando essa ferramenta aqui. Filtro tão fabuloso, plugin realmente incrível. Ele elimina esses sons, o que pode ser muito irritante se você não quiser que seja um ponto central na música e depois relaxe. Por fim, coloquei Maximus, que realmente ajudou a impulsionar os vocais. Então essa foi a minha voz lá. E nessa faixa, eu conhecia a progressão de acordes. Então eu optei por um baixo pesado e uma base oscilante, então eu chamo isso de base oscilante. Essa é essa parte que acabou de chegar. Se eu clicar duas vezes aqui, eu isolo isso. Você pode ouvir que isso é simplesmente usar um plugin chamado Anna said, uma base e as tendências básicas, sete em ritmo acelerado. São simplesmente três pranchas. Bem, é o acorde A, D e depois C Corp que estava lá. Então, isso se repete constantemente ao longo da música. O baixo secundário era bem simples. Era um simples oscilador de três vias, zeros 00. E isso é apenas seguir a corte novamente, a, F, D, C. Então, juntos. Então, uma coisa que realmente torna a natureza instável da música bastante impactante é, obviamente, a bateria. Então, para ter certeza de que eles eram realmente cativantes, eu queria alguns chapéus altos, mas havia chapéus redondos. Quase puxe a música. Então, se eu separar o tambor aqui, aperte isso. Então, aqui eu uso um tambor simples e forte do pacote de volume da Caxemira para meus chapéus altos também. Eles eram chapéus robustos e o FL Studio. Talvez fossem do volume dois da Caxemira, e a armadilha também fosse do volume da Caxemira para, novamente, uma caixa muito boa. Quase tem uma reverberação tímida , o que é muito legal. E então, o que também é tão importante quanto as amostras de conexão e os efeitos sonoros de conexão que você coloca em uma música. Se eu ativá-los aqui, você verá como, com a oscilação a entrada dessas amostras. Portanto, esta é uma simples varredura. Este é um simples batente de fita. Então, é assim. Mas o impacto, quase que desacelera a música, que é muito legal. Então, se eu pressionar Play e, em seguida, para cada startup, o nascimento, então, depois de cada oito barras, eu tinha um prato para adicionar um pouco de tempero. Eu mencionei chapéus rolantes e enroladores. Isso é o que esses ikea, então eu acabei de fazer um novo padrão com quatro chapéus altos juntos e os coloquei fora do ritmo. Então você verá aqui. Eu os juntei. Novamente, uma pequena adição agradável. Uma coisa que você provavelmente notou nas minhas músicas é que eu gosto de quebrá-las a cada oito compassos. Tecnicamente, nem todos, mas a maioria deles tem um bom tipo de pausa no lago e depois o preenchem com um bom som. Então seria um estalo, poderia ser uma gota de água, poderia ser um canto. Eu gravei algumas das minhas músicas com minha própria chance lá, e depois mudei as oitavas delas. Mas nesse caso em particular, se eu isolar a bateria e adicionar, você ouvirá como isso soa aqui. Então, varra. Então isso é uma falha simples, uma gota de água. Então, eles foram encontrados novamente, Caxemira, como você provavelmente pode ver, eu uso muitas amostras da Caxemira. Acho que ele faz algumas das melhores amostras do jogo. E eu realmente recomendo que você acesse unspliced.com e baixe os pacotes de amostra. Splice é uma assinatura mensal e você tem acesso a uma enorme quantidade de pacotes de amostras. Tudo isso em schematics.com, eles fazem muitos pacotes de amostras grátis, mas também caixas de amostras pagas. Vamos seguir em frente agora. Esse é o verso. Então, se jogarmos isso juntos, alguma coisa, oh meu Deus, isso não é ruim no dia como queríamos. E agora tive a intenção de adicionar uma camada extra ao próximo verso, porque estou crescendo lentamente antes de chegar ao pré-refrão, decidi adicionar mais algumas costeletas. Então, essa é a minha base oscilante que é a mesma de antes, mas também adicionando algumas facadas lá. Então, isso é usar xilofones Nexus. Novamente, você não precisa usar o Nexus. Eu só uso um excesso porque é um bom plugin que tem todas as minhas amostras de som em uma. Mas vamos jogar isso sozinhos. Então, eu realmente gostei dessa pequena adição aqui porque é que ela a conecta de volta à base principal novamente. Então, joguem isso juntos. Novamente. Pequenos toques às vezes fazem toda a diferença. Então, vamos agora para o pré-refrão. Então, no pré-refrão, eu queria que ele quebrasse porque normalmente eu prefiro fazer um colapso antes da preparação para a queda das minhas músicas. Então, novamente, essa é uma mistura de cabos por meio de plug-ins e amostras. Então, uma coisa boa que eu gosto de fazer é adicionar um soco de impacto. Então é isso que está aqui. Simplesmente se decompõe bem. E isso também é coberto por um escapamento. Além disso, não há escapamento. Outro escapamento para, mas eu queria um que fosse um pouco mais atrasado, tivesse um pouco mais de ressonância. Então, esses três juntos e ouvem como isso soa. Uma boa maneira de detalhar e apresentar os acordes. Em seguida, adicionei uma amostra da Caxemira. Agora, nesta amostra em particular, está se movendo da esquerda para a direita, como você provavelmente pode ouvir. E isso foi então combinado com alguns códigos pré-refrão. Portanto, existem algumas camadas aqui. Como você pode ver, temos uma sub-base, temos outro plugin do Nexus. Então esse é o som de um sonho caribenho. Muito bom. Novamente, vamos ver como eles soam. Muito bom. domingo. Cordas. Gosto das minhas cordas. Eu também uso o expand. Ótimo plug-in, algo como noventa e nove dólares. Mas há muita coisa que você pode fazer com essa ferramenta. Ele contém muitos tipos de instrumentos e vocais e diferentes amostras de som. E eu queria ouvir, eu queria ter uma ideia da música original lá dentro. Portanto, as trombetas e as cordas são muito pesadas em grandes esperanças. Então é assim que isso soa. Uma peça que por si só. Novamente, essa é uma sensação meio nostálgica da música. Juntos. Eles soam assim. Não há mais peso. E então, naturalmente, quando o pré-refrão começa a pegar o refrão, foi aí que comecei a construir o colapso, os chapéus altos, a lenta implementação do SLO de mais camadas para fazer as coisas soam muito melhor. Então, chapéus altos. E então temos mais chapéus aqui também. Sons semelhantes, apenas diferentes. Perfeito lá. Isso é um acúmulo. Base, a mesma de antes. O subbaixo tem o que você conhecerá no meu tutorial baseado no site. Mesmo local, corte alto, um corte sua base frutada sobre isso e , em seguida, diga acorrentando usando o chute na subbase. Depois disso, temos registros. Portanto, essas quadras seguem os mesmos acordes de acumulação. Um impacto que usamos antes. E então esses são alguns chapéus de cano alto, aro tipo top loop, fotos de aro de um kit de bateria. Se você ouvir isso. Aqueles Lim conversaram ali mesmo, junto com alguns fatos e alguns agitadores para a imprensa sem a acapella. Ouça como isso soa. Agora. Não há inicialização sem nenhum dos dois. Algumas armadilhas estão carregando palmas, certo? Então eu adicionei um bumbo. Aqui no topo desta camada, apenas TO, alternando isso, você verá um acúmulo de chute sub bass drop. Então, isso é simplesmente o bumbo, mas adicionando um pouco de compras lá para adicionar um pouco mais de espaço para a bateria e as armadilhas, as palmas acumuladas. E então, finalmente, tenho meus acordes de acumulação. Agora, eles soam um pouco estranhos aqui porque tem uma automação. As automações são muito importantes pois permitem que você altere o design de áudio ou som de qualquer plugue em uma amostra que você esteja usando, mas automaticamente, como diz a automação. Então, aqui você tem o volume do canal para a base de oscilação. Então você verá aqui. Então temos uma simples orelha colapsada. Então, este é um headhunters aplaudir novamente do volume da Caxemira para ser a soma de pares, artistas colaborativos que adicionaram suas próprias palmas e são muito legais. Aplauda o número 25, reverbera para 48 por cento. Eu adicionei um pouco de EQ lá porque quero que ele desapareça na extremidade inferior. Mas você pode ver como eu não uso plugins complexos. Eu não uso amostras complexas. Eles são muito simples, mas é assim que você os coloca em camadas, que faz a diferença. Aqui está aquele loop superior novamente. Então, se derrubarmos apenas o colapso da percussão juntos, você ouvirá como isso soa. Portanto, isso é apenas uma progressão junto com os efeitos sonoros. E então eu fiz uma varredura, mas eu reverti. Portanto, esta é uma bela construção até a queda da Caxemira. que podemos contar aqui é apenas um simples ruído branco em uma largura usando uma automação de filtro sem frutas. Então, se eu clicar no número 20, você verá aqui como temos o filtro de frutas gratuito e gratuito lá. Se eu destacar aqui, você verá como funciona o filtro de frutas gratuito. Então, vamos destacar essas duas colunas e você verá como adicionei automação a esse botão de frequência. Então, atualmente aqui, aos 58 segundos, há dez frequências. E veja como esse botão de automação aqui muda à medida que muda. Então, você verá como as coisas acontecem lentamente. A frequência aumenta. E para adicionar esse efeito de oscilação oscilante, eu uso o Fruity LovesFilter, que essencialmente coloca o volume em uma oscilação. Então, se eu fizer isso agora, aqui, se eu desativar isso, você ouvirá como ele não oscila mais. Então, isso é essencialmente uma varredura. Então, sim, vamos ouvir como isso soa agora. Então, agora, obviamente, estamos procurando a entrega. Agora, lembre-se da Caxemira, quero apenas vídeo ao vivo dizendo que às vezes uma das partes mais importantes de uma queda é a lacuna antes dela. Então, essa barra aqui ou duas barras, na verdade, você tem que preenchê-la com alguma coisa. Agora você pode optar por deixá-lo em branco para que o vazio adicione mais efeito. Ou você pode optar por ter um kit de bateria ou percussão, um canto em qualquer tipo de amostra. Para preencher o vazio. Eu escolhi misturar algumas, juntar algumas amostras. Então, se eu jogar isso, agora, eu fiz isso e os coloquei uma forma que parecesse um papel nisso. Parecia uma armadilha rolante. mesma chance. E então eu apenas repeti o verso de grandes esperanças. Isso é feito usando um plugin chamado halftime. Então, meia vez é muito legal, pois permite que você altere o tempo e o tom do som. Então, se eu ativar isso e entrar no número dez, você verá aqui a coisa chamada intervalo. Então, o que está fazendo é diminuir, diminuir o tempo, mas também está dobrando a velocidade, cuja velocidade não necessariamente está diminuindo a octanagem, mas dobrando a velocidade ao mesmo tempo hora. Então, novamente, é um plugin barato, acho que custava 9,90 libras quando o comprei pelos caras da TV a cabo. Plug-in muito legal. Eles têm outro plugin chamado Kickstarter, que é essencialmente o encadeamento de sites, o que é muito legal. Então, vamos pressionar play e ouvir como isso soa. Muito legal. Ok, então a próxima coisa que fiz foi usar costeletas vocais no meu drop. Então, habilidades vocais ou, essencialmente, sua capacidade manipular qualquer tipo de som no teclado. Então, como você pode ver, se eu pressionar Play, isso sozinho. Então eu fiz isso usando a acapella original. Mas eu o conectei à emenda x. Então o x emendado existe aqui. Então, se eu for aos plug-ins, você verá onde emenda o exon, tantos plugins às vezes eu me perco. Estou procurando por aqui para fazer splice x. O que somos? Onde estamos? Aqui vamos por esse caminho, vá emenda x lá embaixo. Então, isso permite importar uma amostra e depois cortá-la. Então, feche isso, essa é essencialmente a amostra de toda a música. E quando você clica aqui, você pode ver como é a música inteira. Então você pode usar isso para tentar cortar os vocais e fazê-los soar bem legais. Então eu encontrei marcadores diferentes, que soam como trabalhos vocais muito legais. Então, aquele ali. E aquela voz profunda de oitava mais baixa que você ouve é simplesmente o botão Efeitos neste corte vocal, eu tenho a reverberação de equalização. Eles nem estão realmente sendo usados. Então eu poderia simplesmente remover, remover aqueles realmente, eles não estão sendo usados. Então, vamos excluí-los. Então, todos esses plugins aqui sendo usados, se eu os desabilitar, você ouvirá como soa. E à medida que eu adiciono cada efeito, você ouvirá a diferença. Novamente. Abaixe um pouco as pontas altas porque são bastante antigas, mas ele tem um ruído agudo muito alto. Voz, na verdade, um pouco de reverberação. E então intensificador de estéreo. Basicamente, isso amplia o som dos fones de ouvido e alto-falantes. Os codecs de votação são interessantes. Eu não costumo usar muito os dois codecs. Mas nesse caso em particular, eu queria adicionar um pouco de robótica, tipo de código antigo, todo tipo de profundidade a ele. Então eu fiz isso. E depois no intervalo, sobre o qual acabamos de falar. Meia vez um plugin incrível, apenas dizendo, só dizendo então Falco para cetim, eu uso isso para saturação. Então, basicamente adiciona mais saturação à batida. Isso torna um pouco mais volumétrico, um pouco mais saudável. E um equalizador para filtrar algumas das extremidades baixas. E o ozônio imager, que é um ótimo plugin gratuito da ozone. E basicamente permite que você amplie o som com um escopo vetorial aqui para que você possa ver a aparência desse som. Novamente, veja o gráfico muito turvo, mas muito difundido. Você pode ver isso completamente. Isso é isso. Finalmente, como parte da entrega, obviamente temos o cordão de descarga. Então, essa foi uma série de plugins diferentes, desde a base de oscilação no início, que conhecemos, até um trompete, uma espécie de trompete de jaquetas básicas. Então, isso faz parte da faixa do volume 2 da Caxemira. E então o teorema não está sendo usado, mas eu tentei que não era um grande fã. Mas depois voltamos à banda X para a qual usa esses mesmos trompetes, que eu usei antes. Novamente, a nostalgia da música que gera grandes esperanças. Muitos trompetes e armadilhas. Então, vamos ouvir como eles soam. bateria não mudou muito desde o primeiro verso. E então, em termos de aplausos, novamente, os mesmos headhunters aplaudem e símbolos. Então, novamente, muito disso se repete. É exatamente a maneira como você coloca as faixas e a implementação e a adição das trombetas novamente a isso. Então, vamos ver como essa queda soa . Com o acúmulo. Novamente, em um freio, as mesmas armadilhas rolantes. E eu uso um batente de fita novamente como antes, com um tambor de impacto também. Então, quando chegamos à repetição novamente, eu apenas repito. Então, voltando ao verso. Decidi atrasar a bateria porque pensei por que não? Isso pode adicionar um pouco mais de impacto. Gota de água. Então, um truque bacana que você pode fazer ao fazer música é usar o inverso, o inverso de qualquer coisa. Então, por exemplo, essa gota de água em particular, eu poderia reverter isso. E vai soar muito estranho, mas você entenderá. É quase como um efeito de sucção. Então, é como se fosse difícil explicar uma amostra inversa. De qualquer forma. Vamos seguir em frente e ver se há mais alguma coisa que eu fiz que possa ser útil. Não sei. Então, sim, tudo isso resume tudo, na verdade. O link na minha, na minha descrição da aula, caso você queira ouvir a música. Eu tenho isso no meu perfil. Se você quisesse ouvir. Espero que tenha sido esclarecedor e tenha dado você um pouco mais de exposição aos remixes feitos por Howard e potencialmente, dê a você ideias. E espero, você sabe, tirar algo disso, deixar um comentário. Definitivamente, agradeço qualquer feedback e espero mostrar a vocês o próximo vídeo da aula, que é a gente fazendo uma mistura realmente mista. Então, novamente, exorto você a escalar o music.com, criar uma conta e baixar as hastes, e vamos trabalhar nelas juntos. Mas até lá, adeus. 11. A compressão, o atraso e o reverb: Ei, bem-vindo a outro vídeo desta série. Hoje veremos três elementos importantes de design de som, que são reverberação, atraso e compressão. Antes de começarmos a aula, agradeço muito que vocês pudessem deixar um comentário e outros e me fornecer qualquer feedback para que eu possa ajudar a tornar essa aula um pouco mais adaptada às suas necessidades. e ajude a aumentar a comunidade no Skillshare. Então, vamos falar sobre os três elementos. Temos reverberação, compressão e atraso. Cada um é único e é realmente útil para ajudar a adicionar saturação, adicionar mais profundidade e atrair a atmosfera. Então, acho que a primeira com a qual podemos começar é a reverberação. E no FL Studio, eu já fiz algumas batidas de bateria predefinidas, uma base, costeletas de acapella e alguns plucks. E vamos usá-los para ver como podemos usar atraso e a compressão de reverberação e como cada um afeta cada uma das faixas e instrumentos de forma diferente. Então, se abrirmos as alavancas que começam com isso, começaremos com reverberação e atraso. Então, vamos primeiro ouvir o que parece seco. Então, isso é apenas um simples toque de guitarra do RF Nexus. E o que vamos fazer é analisar a reverberação. Então, uma das coisas mais fáceis que você pode fazer primeiro é ir até a faixa do mixer e encontrar o Reverb. Agora, existem diferentes tipos de predefinições, predefinições ou plug-ins de reverberação . Vst está no menu de seleção. Eu sou totalmente livre para preferir um, e também muito livre para deixar de lado. Eu também tenho alguns plugins personalizados que também adicionam reverberação. Mas, para essa classe vamos ficar com plug-ins de estoque. E enquanto o Reverb one é a edição mais antiga e reverbera para a nova. Sou muito fã do antigo plugin VST de reverberação do FL Studio. Então, vamos clicar nele e abri-lo. Então, a primeira coisa que você vê aqui é uma guia, que tem um monte de coisas nela. Temos um corte alto local, temos atraso, temos o tamanho do quarto. E cada uma dessas coisas muda o som de alguma forma. No canto inferior esquerdo, temos seco. Então esse é o sinal que entra no plug-in. Então, quando diz 100% seco, significa que 100% da entrada vem do fluxo. E a reverberação à esquerda é a quantidade de reverberação que existe na amostra real que chega. Podemos usar o caminhante e o corte baixo para determinar se o quão baixo ou o quão alto queremos que a reverberação ocorra. Então, nesse caso específico, a reverberação ocorrerá após 75 hertz e menos de 4 mil kilohertz. Então, vamos ver como isso soa com a predefinição padrão. Então, instantaneamente, você pode ver mais atmosfera. Há um pouco mais de eco e há um pouco mais de presença. E você pode alterar o tamanho da aba. Isso basicamente torna o eco e a reverberação mais proeminentes. Então, ao torná-lo menor, vamos começar a gostar de um estúdio. E se formos maiores, imaginamos como uma grande arena ou um grande estádio de estúdio, cafeína. Então, isso só aumenta o atraso na reverberação. Então, eu realmente recomendo que você mexa nessa ferramenta e tente criar seu próprio som único. Se você quiser que tudo o que você ouça seja a reverberação. Você pode aumentar a reverberação em 50 por cento e diminuir a secagem em 40 por cento. E você ouvirá agora que o sinal de entrada está muito mais fraco. Mas o que fazemos aqui é muito mais reverberação. Perfeito. Então, vou redefinir isso para cerca de 20 e mantê-lo em cerca de 90. Isso porque eu quero ter um pouco mais de reverberação do que secar. E o decaimento é o tempo que a reverberação leva para diminuir. Ao aumentar o atraso, você aumentará a quantidade de reverberação existente no som. Então, agora fizemos isso. Vamos dar uma olhada e ver como é o reverb two. Agora você pode ver um pouco mais moderno. A interface do usuário é um pouco mais agradável, elegante e semelhante ao plug-in anterior. Coloque-os um ao lado do outro. Eles têm as mesmas configurações, exceto na reverberação dois, que você pode realmente manipular essa interface gráfica aqui. Para aumentar ou diminuir o tamanho. Portanto, quanto menor o tamanho, mais estreito, maior o tamanho, mais largo. A difusão é: quão circular ou quanta reverberação você deseja que isso ocorra. Portanto, quanto menor a difusão, mais estreito será o sinal. Vamos ver como isso soa. Temos três ecos essencialmente para a reverberação. Vamos aumentá-lo em um. Então agora temos quatro. E então vamos continuar com um círculo completo e é muito mais suave. Novamente, temos úmido versus seco. Úmida é a saída que aciona a entrada. Se colocarmos isso da maneira certa, aumente a umidade. Semelhante ao último. Então, eu realmente recomendo que você use os plug-ins, mexa com eles e experimente o BB creative e veja o que você pode criar. Ok, então foi aí que, se eu fiz, vamos ver o atraso. Agora. Tenho diferentes atrasos em mente com o F20. Alguns de vocês podem não ter demorado para a Itália três, ela apenas atualiza suas versões. Mas todos eles fazem a mesma coisa, exceto, obviamente, com atualizações e aprimoramentos. Então, vamos começar com o primeiro. Então, o atraso é novamente, outra maneira de ajudar a preencher a atmosfera sonora da faixa e realmente fazer sons serem vocais, seja no baixo, na bateria ou em qualquer tipo de protagonista. Sente-se bem em uma pista e eles adicionam uma atmosfera um pouco divertida. Então, vamos ver como é o atraso. Abrindo esses seis botões padrão muito simples aqui. E vamos pressionar Play e ver como isso soa. Atraso climático. Então, instantaneamente, você pode ver aqui como a variação de entrada da entrada mudará à medida que eu altero isso. Então, aqui, ao diminuir a entrada, o que estamos fazendo é tornar o som corajoso mais proeminente e os atrasos soam em segundo plano. Você ouve isso. Então, você está apenas mudando o quão proeminente você deseja que o atraso, ecoando o atraso que ocorre. O feedback mostra quanto atraso você tem. Então, agora estamos em torno de 50%. Ao aumentar isso, teremos mais atrasos. Então, mais repetições do som de entrada, se quisermos diminuir, o feedback terá menos. Vamos ver como isso soa. Doce. Então temos o limite. Então, ao ajustar o cursor, você está encurtando a duração de cada atraso após o som de entrada inicial. Então, ao aumentar o limite, você está fazendo com que todo o atraso potencial exista, tipos de ecos do sinal original. E, uh, cortando isso, você está emitindo menos sinais de atraso chegando. Você tem quantas notas? Então, isso é essencialmente quantas notas o atraso vai passar. Então, são apenas 15 etapas. 16 etapas. Quanto às últimas etapas, menos demora, se isso fizer sentido. Então, se eu cair para um, instantâneo, vou para dois. E então, quanto mais alto subimos, se formos para as notas 16, está ficando mais longo para o atraso começar. E, em seguida, o tempo automático, novamente, a escolha é sua. Você pode fazer isso automaticamente, então combina com o 121, ou você pode criar seus próprios termos. Então, se chegarmos a cem, cem bpm e uma música de 120 bpm. Faça três se o feedback estiver no meio do caminho. Vamos ver como isso soa. Novamente, isso parece muito estranho porque você tem o BPN funcionando. Mas se você está procurando fazer um som baixo ou algo parecido um som baixo ou algo parecido com aqueles sons únicos que meio que são antirtempo. Isso é algo que você pode incorporar lá. Analisando rapidamente a aparência dos outros plug-ins. Novamente, F02 atrasa dois, e isso é semelhante ao outro, exceto que agora temos opções de preenchimento aqui. Assim, podemos escolher se você deseja um atraso de panorâmica para uma orelha específica, esquerda ou direita. E em termos de feedback, temos a capacidade de fazer pingue-pongue. Então, ao colocar o panorâmico no centro, o pingue-pongue essencialmente salta o atraso em cada panela ESA à esquerda e à direita. Então, vamos dar uma olhada. Parece que Parece tem aquele efeito de pingue-pongue. Ao alterar o offset, os offsets estéreo, podemos fazer com que seja menos difundido em termos de tempo. Então, ao aumentar esse tempo, o offset estéreo, onde se adiciona um pouco mais entre cada atraso de pingue-pongue e cada ano. E então a hora é quanto tempo após o sinal de entrada inicial você deseja que o atraso ocorra. Portanto, quanto menor o tempo, mais rápido é o atraso. Vamos colocar isso no centro. Em seguida, o último está atrasado em três. Portanto, esta é a versão mais recente, que contém muito mais informações. Temos o tempo de atraso, temos o modelo de atraso e temos feedback, algumas das coisas semelhantes anteriores, mas também modulação, difusão e distorção de feedback. Todas essas coisas que você pode mexer. O tempo de atraso é olhar para o atraso de tempo literalmente como diz. E você pode optar por manter isso em sincronia com o tempo 121 ou fazer com que ele fique alinhado com o tom. O tom muda na pista. O atraso real também pode corresponder a isso. Então, ele continua, ele se mantém em sincronia com isso. Ping pong estéreo mono, novamente, dependendo se você deseja que o atraso passe pelos dois ouvidos em estéreo, ou se deseja que ele pareça estreito bem no centro. Você pode escolher isso ou pingue-pongue, que é flips, chinelos entre cada um. O feedback é semelhante às versões anteriores, nas quais você pode escolher se deseja ter um corte alto, passa-baixo, passa-alto e passa-banda. Então, isso limitará a quantidade de atraso nessa banda, se você quiser tê-la baixa, alta ou média. E, da mesma forma, o feedback, é a quantidade de atraso que você quer ter. Então, vamos ver como isso soa. Então, espero que isso tenha lhe dado uma boa introdução ao atraso. E agora acho que provavelmente é melhor passarmos para a saturação. E é por isso que eu tenho todas essas outras hastes aqui também. Então, se eu vou me livrar da arrancada, você provavelmente já ouviu saturação antes. E a saturação é o processo de diminuir a faixa dinâmica entre o mais alto e o mais baixo como parte de um sinal de áudio. Então, basicamente, aumenta os sinais e atenua os sinais mais altos. Dessa forma, ele permite que você tenha um bom alcance em todas as frequências, nos instrumentos ou no instrumento que você está usando. Portanto, há vários compressores que temos no FL Studio, alguns plug-ins de terceiros para estocar outros. E eu pensei que nós olhamos alguns hoje. Então, um dos mais óbvios é o limitador FL Studio, que pode ser usado como compressor, mas também pode ser usado como limite. Então, o limite, essencialmente, ele coloca o limite além do qual o som não vai mais alto, então ele coloca um limite nele. Mas então você pode acessar a opção de compressor aqui e usá-la como compressor. Então, uma das coisas que vamos fazer é ver como podemos comprimir uma batida de bateria. E para fazer isso, primeiro, precisamos explicar o que esses botões estão aqui. Então, como você pode ver as três áreas diferentes, há o envelope de volume e a porta de ruído. Então, nesta seção de volume, temos limite. Então esse é o nível que o sinal deve estar antes que a compressão seja aplicada. Temos a proporção, que é a quantidade de compressão aplicada. Então, por exemplo, se a taxa de compressão no canto superior esquerdo aqui você verá é de um para um, de um para 21 para quatro ou vice-versa. Portanto, seis a 1621 significariam que existe, o sinal de entrada tem que cruzar o limite em seis decibéis para a saída aumente em um decibel. Então eu vou te mostrar o que isso significa em um segundo. Então temos o ataque. O ataque é a rapidez com que o compressor funciona. Nós temos a liberação. Então, é assim que o sinal cai abaixo do limite para a compressão do stop. Nós temos o joelho. O joelho define como a compressão reage ao sinal quando o limite é ultrapassado. Então, vou compartilhar o que isso significa também. Então. Temos a saída, que obviamente vem no final aqui em termos de ganho e saturação. E veremos como tudo isso se parece nesta interface gráfica agora. Então, vou colocar esse limitador na cadeia principal e ativar os tambores apenas um por um para que possamos ver como é o compressor. Então, vamos colocar um limitador , comprar um compressor e tocar essa batida de bateria com o bumbo primeiro. Então você pode ver aqui a estrela, é aqui que ela atinge o pico. Então, uma das coisas que podemos fazer é que a compressão não funcionará no momento, porque você pode ver onde a linha de compressão está aqui, esse é o limite. E você quer garantir que a compressão ocorra quando atingir o limite da amostra de som. Portanto, esse bumbo está muito abaixo do limite. Então, vamos diminuir isso. Atualmente não temos nada. Mas se começarmos a baixar o limite abaixo do bumbo, decibel sonoro, você começará a ver como o som é comprimido abaixo desse limite. Então, vamos sair e aplicar uma proporção. Portanto, a proporção é a quantidade de compressão aplicada atualmente e não está sendo aplicada. Mas se quisermos aumentar esse limite para um para um, por exemplo. Então, isso vai ser compressão muito forte neste bumbo. Vamos ver como isso soa. Então você pode ver como, a cada chute, houve uma queda porque está sendo comprimida. Então, tem sido uma grande atenuação da taxa de mudanças de som. Mas digamos que também possa ir na direção oposta. Novamente, o que fizemos lá foi comprimi-lo de outra maneira. Então, optamos por um a quatro. Então, para cada decibel de entrada de som, ele o amplifica quatro vezes. Novamente, para cada instrumento, você deseja ter um tipo diferente de limite de compressão. E o joelho muda novamente a aparência do som de joelho duro, por exemplo. Então, um joelho duro para baixo. Se eu te mostrar isso, o que isso significa. Vamos pausar isso. Um joelho duro. Ou seja, essa é a taxa ou redefinição. Então essa é a compressão na proporção. E se mudarmos o joelho, está essencialmente fazendo uma compressão suave. Então, se você tem um joelho duro e eu estou totalmente para baixo, isso é um nódulo mais duro. Se fizermos isso até a metade, teremos uma compressão mais suave. Então, novamente, ele oferece um pouco de versatilidade em um pouco mais de controle sobre a quantidade de compressão que você deseja aplicar. Então, se começarmos a fazer isso com um kit de bateria inteiro, vamos dar uma olhada nisso. Redefina tudo isso. Então, agora podemos ver como essa batida de bateria tem os bumbos e tem as armadilhas. E você pode ver esse alcance lá. Então tem isso, Essa é a faixa dinâmica dos altos aos baixos. Então, aplicando uma compressão no centro, onde podemos ajudar a fazer com que a bateria soe melhor, um pouco mais saturada, um pouco mais comprimida e diminua o alcance dessa alta frequência dinâmica intervalo. Vamos colocar a frequência a meio caminho entre o chute e a armadilha. E então o que vamos fazer é colocar uma proporção de dois para um. Então, sempre que há dois decimais, ele perde um. Então, dois decibéis, n. Desculpe, mas deixe-me colocar isso aí. O limite, é de dois para um. Então, o que isso vai fazer é baixar o tambor, mas também aumentar um lanche ao mesmo tempo. Então, vamos ver como isso soa agora. Trocar o joelho o tornou mais suave. Então, ao aumentar isso, você fez menos compressão. E então, ao colocar uma forte cãibra no joelho, aumentamos a compressão muito rapidamente. Também podemos alterar o ataque e a liberação, o que mudará a rapidez com que a compressão ocorre. Novamente. Então, essa é uma maneira de fazer compressão no FL Studio. Outra forma é usar um compressor multibanda simples, que é o compressor multibanda frutado. Então, uma das diferenças entre um compressor comum, que é o que estávamos usando, o limitador F a. E se formos aqui para o compressor da NFL, a diferença entre esses dois é o que é multibanda? Uma é uma única banda regular. Portanto, a banda irregular aplica compressão em todo o espectro sob um limite, abaixo de uma proporção e abaixo de um. Parâmetro tão perturbador. Já a fruta em compressor multibanda faz isso em três. Dessa forma, você tem mais controle e ele comprime cada uma das bandas separadamente. Portanto, é essencialmente um compressor multibanda como ter três compressas em uma. Ao se separar, ele separa a compressão das baixas, médias e máximas, se você quiser. Então, o problema com um compressor de banda única, compressor, desculpe, é que ele não diferencia entre as frequências baixas e altas. Então, se houver uma tonelada de base na mistura, o compressível aqui, essa base e comprima todo o sinal, tanto os altos quanto os baixos, em vez de um compressor multibanda, o que permitirá você deve , por exemplo, tirar tudo, para tirar os mais velhos, mas manter os médios e os altos se estiver olhando para o ácido-base. Então, vamos dar uma olhada e ver como isso soa. Então, se eu desabilitar toda a bateria e mantermos o baixo secundário. Então, isso é o que parece sem qualquer compressão. Vamos desligar isso. Bem-vindo. E vamos aplicar um compressor multibanda. Instantaneamente, aqui você pode ver que a banda baixa está sendo ativada porque encerramos as frequências mais baixas, que você pode alterar com esses botões aqui. Então você pode ver aqui como se você pode fazer, você pode fazer isso baixo, você pode fazer com que essa banda baixa cubra todo o espectro, se quiser. Mas isso anula o objetivo de usar um compressor multibanda, pois estamos usando a banda inferior aqui, que está aqui, eu terei os mesmos botões de antes. Então, o limite, a proporção e o joelho, que eram mais visuais no mixer do FL Studio. Limite de SRE. Novamente, estou apenas tentando mostrar maneiras diferentes de usar uma compressão no FL Studio. Então, vamos ver como isso soa. Portanto, a linha vermelha aqui mostra quanta compressão está sendo aplicada à entrada, que é rotulada aqui. Vamos mudar o limite. Muita compressão lá. E então não há taxa de compressão. Proporção, férias, sem joelho. Então, esse é um compressor. E então, finalmente, temos uma compressa de lata mundialmente famosa. Eles são chamados de OTT. Este é um plugin gratuito. Um plugin gratuito da OTT. E eu geralmente uso OTT na maioria dos meus instrumentos. Eu normalmente não o colocaria no ônibus principal. Então, vamos tirá-lo do ônibus principal e colocá-lo nesses plugues, por exemplo. E o OTT é muito popular principalmente porque é gratuito, mas também porque é um plugin muito bom. Então, vamos ver como isso soa aqui. Se eu tiver ativado modo multibanda, você pode controlar quanto mais altos os remédios e os mínimos. Portanto, isso é apenas controlar a quantidade de entrada baixa, quantidade de MPO médio e quantidade de entrada alta que você tem do sinal de áudio. E esses limites aqui determinam quanto tempo do espectro você o aplica. Então, se eu fizer isso aqui, teremos menos entrada baixa, tendo uma entrada média-baixa, tendo entrada alta, alta. Então é isso que parece. Então você pode ver quantas compressões. Então, ao mudar isso, eu mudei ele. Eu tenho compressão em cada uma das frequências. Então essa é a terceira maneira pela qual podemos usar a compressão. E espero que você tenha achado essa aula útil. Eu sei que nos aprofundamos aqui sobre os diferentes, os diferentes plugins. Mas é mais do que isso quando você entende como usar um plug-in e o que ele faz. Crie músicas melhores, trilhas sonoras mais coesas e mais criativas. Então, sim, aguardo meu próximo vídeo. Deixe alguns comentários e comentários na área de discussão e o que você gostaria de ver a seguir. E estou ansioso para ver você na próxima, realmente produzindo. 12. A técnica de costela vocal do Kygo intermediário: Olá pessoal, bem-vindos a outra aula do Skillshare. Hoje vamos ver as habilidades vocais, pois elas são muito proeminentes na música nos dias de hoje. Especialmente se você ouvir artistas como k atrás, onde todas as outras músicas que ele tem agora usam costeletas vocais como uma pré-introdução a uma música ou pré-refrão, ou mesmo no próprio lançamento, como maior amor por Cargo e Whitney. Então, uma das coisas que pensei fazer foi mostrar a vocês um remix que fiz de chi goes, que é observar as estrelas. Vou me certificar de colocar a acapella nos arquivos do projeto para que você também possa tentar replicá-la ou apenas usá-la como base para praticar e fazer seu próprio som. E uma das melhores maneiras de começar seria apenas mostrar a música para você. Este vídeo não foi feito para ser como um vídeo aprofundado. É mais uma visão geral e apenas fornece algumas dicas sobre onde você pode ir com suas próprias faixas pessoais e como pode ir com suas próprias faixas pessoais e como realmente fazer costeletas vocais e os plug-ins que eu uso para isso. Então, antes de começarmos, vamos dar uma pequena escuta. No começo, onde eu uso acapella tem costeletas, bem como no refrão e na queda. Então, vou apenas pressionar Play. Deixe você ouvir, e então descreveremos a aparência das costeletas vocais e como realmente fazer essas costeletas vocais. E os plug-ins gostam de dizer que esses dados deveriam ter e podem ter filhotes de ovelhas lisas em cena. Então, talvez até mesmo o que impulsiona. Então? A estrela estrela do mar estrela estrela . Então esse foi o verso, pré-refrão, refrão e drop. Então, vamos detalhar. Se eu entrar na primeira ponte no início. Sim, eu a chamei de ponte de verso só porque eu repeti uma das minhas pontes mais cedo. Mas acabou sendo uma introdução muito boa para a música. Se eu for até aqui, poderemos ver as técnicas de introdução. Se eu desmarcar meu piano e tocar as costeletas de introdução. Então, como você provavelmente notou, estou usando o piano real. No entanto, não há teclas de piano. Isso porque eu estou usando um plugin chamado splice x. Este é um plugin de estoque embutido no FL Studio que permite dividir músicas ao longo de marcadores específicos, o que você pode fazer manualmente ou você pode fazer automaticamente. E você pode então usá-los para digitar musicalmente a música. Como você pode ver, acabei de ler o refrão. Então, por que você tinha que encontrar as notas certas para acompanhar a batida. Por isso, é sempre útil ter alguns códigos. Então, esses são os códigos oficiais para observar as estrelas, mas são muito bons para ter algo com que trabalhar. E então você pode, você quer ter certeza de que a maioria dos trabalhos corresponda ao ritmo da música. Então, neste exemplo em particular, é apenas examinar códigos f, c, três simples e nítidos. Mas é o uso dos pianos nas notas graves, que causam um pouco de gripe e impulso. Então eu conheço esses códigos e esses códigos em, e então se trata de fazer as costeletas combinarem com o piano. Então, para fazer um trabalho vocal, é tão simples quanto acessar a guia do plugin aqui. Ao encontrar a emenda x, adicioná-la em uma janela será aberta. Agora, a maneira mais fácil de fazer isso é acessar fazer isso é acessar o áudio onde você tem a acapella. Como mencionei antes, colocaremos a acapella nos arquivos do projeto para que você possa acompanhar. Você pega e arrasta para cá. Então, agora temos a forma de onda neste plugin. Podemos clicar nesta guia aqui, que é média ou em fatiar e fatiar. Isso cortará automaticamente o baralho. Lá vamos nós. E agora é tão simples quanto voltar ao painel não classificado, onde você tem todos os outros plug-ins e padrões. E agora temos aqui a nova versão cortada da música. E essa é a música inteira, aliás, não é só um segmento. Se eu clicar nisso, você verá uma sequência contínua de notas subindo os marcadores até aqui, 128. E esse é o máximo que você pode tocar no piano, mas na verdade vai subir muito mais alto, como você pode ver, eventualmente se achata apenas na música. Mas se eu pressionar Play, você diz, em todo esse dado deveria ter e pode ajudar. Pequeno, talvez meu de ovelha. Novamente, muito legal, certo? Então, agora você pode ter uma ideia de como começar a fazer habilidades vocais. Então, se eu excluir, se eu excluir tudo isso, então vamos selecionar e excluir as partes que eu não preciso. Eu também não preciso deles aqui. Agora. Devo dizer que se eu apenas toco os acordes. Forno. Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh. Então, novamente, eu sei que parece muito ruim, mas dá uma ideia do que você pode fazer. costeletas vocais demoram um pouco. Então, eu sugeriria que se você tivesse um piano midi, teclado, use isso, pois é muito mais fácil ser mais criativo em um teclado , do que usar o real, pois você tem mais consciência espacial com os dedos. Mas, novamente, está apenas fornecendo os fluxos de trabalho para fazer isso. E depois de encontrar o conjunto certo de notas, você pode fazer algo assim. E essa é a introdução. Mas então, se formos até a entrega, é completamente diferente. Então, se eu tirar tudo, exceto as costeletas, faça, faça, faça, faça, faça, faça, faça, faça. Então. Isso é uma mistura de apenas usar o tempo certo, dobrar as notas, como você pode ver aqui. Então, para fazer com que pareça do jeito que soa, se passarmos para oito, você pode ver que há muitos tipos diferentes de efeitos de reverberação aqui. Eu usei o bom e velho som, bons dias no FL Studio. Agora eu entendo que alguns de vocês podem não estar usando o FL Studio, mas considerando que toda essa classe é baseada no FL Studio, isso é essencialmente um plug-in de masterização automática. Isso só faz com que tudo pareça bom. Mas às vezes isso faz com que pareça muito bom. Parece um pouco mais velho, júnior, um pouco falso. Então, trata-se de tentar obter o equilíbrio certo. Um equalizador que serve apenas para tirar um pouco do topo de linha, porque é uma música bem pequena. A menos que você adicione alguns efeitos lá, eu uso a panqueca dois. Portanto, esse é um ótimo plug-in. Isso basicamente permite que você desloque para a esquerda e para a direita. Então, se você assumir que o meio é o centro, você vem para a direita, para a esquerda aqui. Você pode se fantasiar e trocar manualmente quando quiser que o som vá para a orelha esquerda ou direita. Então, é muito legal. Então, quando você ouve essas variações e ouvido esquerdo e direito, isso é através deste plugin. Então, eu realmente recomendo que você verifique isso, se puder. Mais EQ, isso estava lá. Isso está lá em uma automação, então parece plano agora, mas à medida que você lê a música, ao longo do curso, ela flutua e elimina um pouco da tirania do high-end. Por fim, temos a NFL ou o limite, apenas para garantir que você possa usar a função de portão e ganho. Então, se eu colocar, se eu colocar o ganho alto ou o som aparecer, e novamente isso é automatizado. Mas uma maneira muito boa de garantir que nenhuma anomalia ou flutuação no som ocorra, especialmente quando você está trabalhando com estúdio de qualidade não perfeita, acapella é porque muitos deles serão feitos por outros produtores que conseguiram extrair os áudios da acapella de lá. Então, vamos ver como esse fica com o som e o áudio, mas vou fazer isso em camadas. Então, vamos começar com as guitarras silenciadas. Não, não, não, não, não faça, não faça. Então, espero que isso tenha dado a você um sabor para habilidades vocais e como você pode usá-las em suas próprias músicas. Não há nada de difícil nisso. Fazer a maior parte das costeletas é difícil. Mas uma vez que você tenha um ritmo, adicione todos os efeitos que você gostaria de usar neles. É muito fácil adicionar codificadores de voz para fazer com que pareça um pouco mais robótico. Se você deseja usar plug-ins como o half-time, que faz com que ele dobre o comprimento de cada barra, mas diminua a velocidade para que pareça muito legal. Então, se você nunca usou um intervalo com os caras da TV a cabo, eu também vou dar uma olhada nisso. Mas espero que você tenha achado isso útil. E embora não seja necessariamente uma aula para iniciantes, espero ter mostrado a vocês como é fácil de usar isso. Sim, agradeço muito qualquer feedback e qualquer avaliação dos vídeos. E continuarei com um remix de caravana. E depois disso, voltaremos pouco mais de teoria musical. Como eu espero. Você ganha mais apenas aprendendo sobre a teoria de fazer música do que às vezes apenas assistindo, porque é mais fácil assistir e não aprender. Você pode vê-los copiar , mas não necessariamente aprender. Então, voltaremos aos princípios básicos de uma teoria musical de como os diferentes instrumentos funcionam entre si ao longo do espectro de frequência do EQ. Então, sim, vejo todos vocês na próxima. E obrigado pela visita e pela feliz produção. |
A batida do prato acompanha a mesma batida do bombo
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