As principais características da escultura renascentista italiana foram a sua definição como uma das formas de adquirir conhecimento e como instrumento de educação ética do público, e sua preocupação em integrar a oposição entre o interesse pela observação direta da natureza e os conceitos estéticos idealistas. desenvolvido pelo humanismo. Numa época em que o homem foi colocado no centro do universo, sua representação também assumiu
um papel central, com a conseqüência de florescer os gêneros do nu artístico e do retrato, que desde o fim do Império Romano haviam caído no esquecimento. O tema mitológico também foi retomado, um corpo de teoria foi estabelecido para legitimar e guiar a arte do período, e a ênfase foi colocada na estreita associação entre o conhecimento teórico e uma rigorosa disciplina do trabalho prático como a ferramenta indispensável para a criação de um obra de arte especializada. A escultura do
renascimento italiano em suas três primeiras fases foi dominada pela influência da escola toscana, cujo foco era Florença, então o maior centro cultural italiano e uma referência para todo o continente europeu. A fase final foi liderada por Roma, na época engajada em um projeto de afirmação da universalidade da autoridade do papado como herdeira de São Pedro e do Império Romano. Ideologia e iconografia No entanto, mesmo que artistas, incluindo arquitetos, fizessem parte de uma guilda, ela nunca foi grande, nem a arte
da época deu ao praticante o status de que mais tarde desfrutava, mais associado com os ofícios mecânicos do que com o prestigiado liberal. artes, para as quais apenas os nobres, clérigos e os poucos cidadãos comuns e seus protegidos. Apesar de sua posição social relativamente baixa, eles tinham uma participação ativa na comunidade da Renascença, e trabalhavam principalmente apenas sob demanda, e o trabalho produzido espontaneamente era muito raro. Além disso, a prática atual era coletiva, ou
seja, um líder de uma oficina mestre recebia a ordem e a realizava assistida por vários colaboradores, exceto nos casos de obras muito pequenas, quando apenas um único artesão poderia executá-la. Eu Desta forma, o conceito de autoria de uma obra de arte era muito diferente do de hoje, e a maioria maciça da produção renascentista só pode ser atribuída a um dado artista como seu mentor, mas não que ele pessoalmente a executasse em sua completude. . Estas oficinas proporcionaram a
transmissão de conhecimentos de técnicas artísticas; os aprendizes entraram sob a tutela de um mestre em tenra idade, com menos de dez anos de idade, e permaneceram lá por um período variável de até dez anos de estudo antes de serem autorizados a trabalhar por conta própria por meio de concurso público. A filosofia conservadora era que só um trabalho muito duro e através da imitação dos mestres consagrados poderia formar um bom artista, e a eficiência de sua metodologia é atestada no alto nível
geral de qualidade das obras desta época, mesmo aquelas do artistas secundários. As oficinas também funcionavam como lojas comerciais, onde o mestre recebia seus clientes e oferecia seus serviços. As mulheres foram excluídas do aprendizado, com pouquíssimas exceções. e permaneceu lá por um período variável de até dez anos de estudo antes de ser autorizado a trabalhar por conta própria por meio de exame público. A filosofia conservadora era que só um trabalho muito duro e através da imitação dos
mestres consagrados poderia formar um bom artista, e a eficiência de sua metodologia é atestada no alto nível geral de qualidade das obras desta época, mesmo aquelas do artistas secundários. As oficinas também funcionavam como lojas comerciais, onde o mestre recebia seus clientes e oferecia seus serviços. As mulheres foram excluídas do aprendizado, com pouquíssimas exceções. e permaneceu lá por um período variável de até dez anos de estudo antes de ser autorizado a trabalhar por conta
própria por meio de exame público. A filosofia conservadora era que só um trabalho muito duro e através da imitação dos mestres consagrados poderia formar um bom artista, e a eficiência de sua metodologia é atestada no alto nível geral de qualidade das obras desta época, mesmo aquelas do artistas secundários. As oficinas também funcionavam como lojas comerciais, onde o mestre recebia seus clientes e oferecia seus serviços. As mulheres foram excluídas do aprendizado, com pouquíssimas exceções. A
filosofia conservadora era que só um trabalho muito duro e através da imitação dos mestres consagrados poderia formar um bom artista, e a eficiência de sua metodologia é atestada no alto nível geral de qualidade das obras desta época, mesmo aquelas do artistas secundários. As oficinas também funcionavam como lojas comerciais, onde o mestre recebia seus clientes e oferecia seus serviços. As mulheres foram excluídas do aprendizado, com pouquíssimas exceções. A filosofia conservadora era que só um
trabalho muito duro e através da imitação dos mestres consagrados poderia formar um bom artista, e a eficiência de sua metodologia é atestada no alto nível geral de qualidade das obras desta época, mesmo aquelas do artistas secundários. As oficinas também funcionavam como lojas comerciais, onde o mestre recebia seus clientes e oferecia seus serviços. As mulheres foram excluídas do aprendizado, com pouquíssimas exceções. O conceito de arte para a Renascença não se baseava primordialmente nos princípios da estética e, ao contrário de hoje, as obras de arte eram de natureza funcional, servindo de veículos de propaganda para conceitos filosóficos, políticos, religiosos e sociais definidos. pré-estabelecido pela coletividade. Pouco valor foi dado à interpretação individual dos tópicos abordados como este é atualmente entendido, e apenas no final do Renascimento, com a atuação de Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael Sanzio, é que o conceito de gênio surgiu como um independente criador, um visionário auto-motivado e original, mas mesmo assim as lutas de Leonardo e especialmente de Michelangelo e seus patronos eram notórias por suas liberdades. Muito do sucesso do artista renascentista deveu-se ao fato de que a elite o considerava suficientemente confiável, habilidoso e bem disposto para criar peças exatamente de acordo com os desejos daqueles que as encomendavam, e por que ele certamente não o faria. questionar o status de suas obras. Além disso, os pedidos eram geralmente regidos por um contrato jurídico completo, que discriminava os materiais a serem usados, o tempo de entrega, o tamanho, o tema e a abordagem formal do trabalho. Contudo, é óbvio que se esperava também que o artista dominasse completamente os princípios da Estética para tornar o trabalho belo e eficiente, e de fato o Renascimento foi uma fase na qual a arte como um ramo da Estética foi amplamente debatida por círculos iluminados e Em vista disso, o período é considerado como a marca inicial da arte moderna. Por outro lado, dentro de limites aparentemente tão rígidos, ainda havia muito espaço para experimentos técnicos e formais. A orientação social da produção artística pode ser atestada pelas inscrições que alguns monumentos exibiram. Em Florença, os Médici encomendaram uma estátua de Judith decapitando Donatello, decapitando Holofernes, na base da qual se lê “A Salvação do Estado”. Pedro de Médici, filho de Cosme, dedicou esta estátua de uma mulher tanto à liberdade quanto à fortaleza, pela qual os cidadãos de coração invencível e constante podem retornar à república, os reinos caem pela luxúria, as cidades se elevam através das virtudes, contemplam o pescoço de orgulho cortado pela mão da humildade !. Aos pés de David, pelo mesmo autor, estava inscrito um símbolo de liberdade e identidade cívica, querido pelos florentinos: “Deus vence a ira de um inimigo gigantesco”. “Um menino conquistou um grande tirano! Mesmo que a elite usasse a arte para se promover, a administração republicana dos Médici estava comprometida em associar-se com o ideal do governante bom e esclarecido, e sobreviver a crônicas de cidadãos comuns que falam entusiasticamente sobre os desenhos decorativos da cidade, não parecendo preocupar-se com seu alto custo financeiro, ao contrário, apoiando-os explicitamente e referindo-se à felicidade que traziam para o povo. No final do século, no entanto, a opinião pública começou a questionar se esses projetos foram de fato dirigidas para o bem comum ou somente para a glória pessoal dos Medici e outras famílias poderosas, e assim o apelo, tanto entre o povo como entre alguns membros da elite, da pregação religiosa do monge Savonarola contra o luxo ostensivo , a opressão dos pobres e a decadência moral, que levou à destruição em fogueiras públicas de incontáveis obras de arte até que o movimento fosse suprimido com sua execução, também em uma fogueira em praça pública. Mesmo com oscilações ocasionais como essa, o sistema de patrocínio público permaneceu em vigor durante toda a Renascença, e não apenas em Florença, mas uma prática generalizada. A contemplação dessas obras nos museus modernos, descontextualizando as peças de sua localização primitiva em palácios, igrejas e praças públicas, priva-as de muito do seu significado sociocultural. Fundações teóricas O desejo de dar nova vida à antiguidade, restitutio antiquitatis, que para eles tinha sido imprudente e injustamente esquecido nos séculos anteriores, o que mais tarde levou à cunhagem do termo “Renascimento”. O maior elogio de um artista seria comparado aos grandes mestres da antiguidade clássica. Enquanto na pintura o gótico permaneceu mais ou menos visível até meados do século XV, foi nas artes tridimensionais, na arquitetura e na escultura que as inovações ganharam terreno anteriormente, e onde colocar a autoridade dos clássicos parecia ser mais premente. necessidade. Não era mais uma questão de criar boas obras em si, mas de projetar todo um sistema de modelos formais gerais. Nessa busca por modelos, a prática de copiar obras antigas tornou-se um estágio preparatório inescapável para cada aprendiz e enriqueceu o repertório de formas disponíveis. Quanto aos teóricos, lamentou repetidamente a perda de tratados sobre a arte da antiguidade, que eram conhecidos apenas através de escassos fragmentos ou citações em obras posteriores, e que excitaram a imaginação de todos. Pode-se vislumbrar o que neste contexto significou a redescoberta em 1414 do humanista florentino Poggio Bracciolini do tratado De architectura, do Roman Vitruvius, que além de ser um grande trabalho sobre técnicas arquitetônicas, é também uma peça valiosa sobre a estética clássica. Da mesma forma, os escultores, lendo a literatura clássica disponível, viram aquelas listas de nomes famosos como Fídias, Policleto, Praxíteles, conheciam a admiração que sua produção havia atraído em seu tempo, mas sem conhecer suas obras – a grande maioria das o que hoje se vê nos museus só foi descoberto mais tarde -, eles queriam criar substitutos. Neste sentido, diz Chastel, em muitos aspectos, o século XV foi dedicado à tarefa de reparar as dificuldades da história, produzindo obras equivalentes àquelas que nunca deveriam ter desaparecido. Isso levou diretamente à outra ideia: A íntima associação entre o discurso teórico-literário e a arte prática. Para que a excelência louvada nos antigos fosse revivida, era indispensável formular um corpo conceitual consistente que resolvesse o problema básico da representação – a antinomia entre o idealismo antigo e o interesse atual pela observação da Natureza, ou entre o universal e o universal. o particular. Na segunda metade do século XV, como será detalhado abaixo, a questão foi essencialmente resolvida; as ideias humanistas foram consolidadas, o Vitrúvio e o platonismo foram assimilados e Alberti fez uma grande contribuição adicional. Para eles, a Antiguidade estava aqui novamente agora. Prova disso foi a prática de restauração sistemática de numerosas peças greco-romanas fragmentárias, mas como o distanciamento histórico nos permite perceber, de acordo com padrões renascentistas e não verdadeiramente antigos. Naquela época a diferença aparentemente não foi imediatamente percebida em toda a sua extensão, e somente com o nascimento gradual da arqueologia como ciência a Antiguidade passou a ser vista a partir de uma perspectiva de fato histórico. Alta renascença O contexto religioso e a escultura sagrada A estatuária renascentista sagrada, como toda arte sagrada do período, foi criada com o propósito de estabelecer um meio de comunicação mediada com Deus e os anjos e santos, e como uma espécie de monumento que constantemente lembraria ao devoto os princípios essenciais da fé. através de uma complexa rede de convenções simbólicas representacionais, então de domínio público, com respeito às atitudes, gestos, posturas e expressões fisionómicas das figuras e ao caráter geral da composição e da narrativa. Falando sobre a abordagem da estatuária sagrada, Alberti tinha prescrito que os artistas deveriam preferir maneiras sóbrias e dignas, sem exagerar em imagens grandiloquentes ou bizarras, pois estas pareceriam mais filhas da ira do que da virtude, e incapazes de serem sublimes demais para serem alcançadas por elas. a compreensão do público comum, falhando em seu papel pedagógico, mesmo que eles pudessem maravilhar o olhar. Mas durante o Alto Renascimento houve uma clara inclinação à idealização e ao sublime. Os santos, apóstolos e mártires não podiam mais ser retratados nas feições do homem comum como na realidade e como haviam sido retratados na maior parte do século XV, embora esses aspectos fossem em geral generalistas e inespecíficos, mas se tornassem augustos. imagens impassíveis, graves e solenes. completamente sobre-humano, em composições altamente ritualizadas. Além disso, a arte sacra deve ser vista contra um quadro mais amplo como parte de uma política elaborada de salvação da alma através do patrocínio de obras devocionais, uma vez que a salvação exigia na época uma combinação de fé com obras piedosas, obras que poderiam assumir várias formas. comissionamento de missas para os mortos, o custo de embelezamentos da igreja e doações aos pobres – sobre a caridade como um dos cimentos sociais. Através desses atos, o devoto ganhou o direito a uma redução de suas penas após a morte, permanecendo menos tempo no purgatório. Com isso, era natural que vastas somas de dinheiro fossem gastas no financiamento da arte sacra. A representação do corpo e do nu artístico livre de todos os limites, de acordo com o
livre-arbítrio que lhe concedemos, você definirá por si mesmo os limites de sua natureza. Nós colocamos você no centro do mundo para que você possa observar mais facilmente tudo o que existe nele. Nós não fizemos de você uma criatura do Céu ou da Terra, nem mortal nem imortal, de modo que, com liberdade de escolha e com honra, como o criador de si mesmo, você pudesse se modelar da maneira que queria. Você tem o poder de degenerar nas formas mais baixas da vida grosseira. Você tem o poder,
nascido da discriminação de sua alma, para renascer em formas superiores que são divinas “nem mortais nem imortais, de modo que com a liberdade de escolha e com honra, como o criador de si mesmo, você pode se moldar na Você tem o poder de degenerar nas mais baixas formas de vida grosseira Você tem o poder, nascido da discriminação de sua alma, para renascer em formas superiores que são divinas “nem mortais nem imortais, de forma que com liberdade de escolha e com honra, como o criador de ti
mesmo, você poderia se moldar da maneira que você desejava. Você tem o poder de degenerar nas formas mais baixas da vida grosseira. Você tem o poder, nascido da discriminação de sua alma, para renascer em formas superiores que são divinas “. Mitologia Outros grupos temáticos Entre as formas menores da escultura estavam as peças meramente decorativas usadas para adornar palácios urbanos e vilas rurais. O tema era muito variado, incluindo imagens de animais reais ou fantásticos, fontes, bustos, figuras alegóricas ou eróticas, monstros mitológicos ou até mesmo personagens de quadrinhos instalados para a surpresa e deleite dos visitantes nas fachadas, pátios e jardins. Algumas moradias tinham uma gruta artificial com decorações internas ou um ninfeu (ninfeu), um espelho de água cercado por estátuas de divindades greco-romanas. Também neste grupo podem ser incluídos objetos decorativos de bronze domésticos, como candelabros e vasos de vários tipos, além de móveis de madeira esculpida e elementos arquitetônicos variados em pedra, como lareiras, frisos, arcos, quadros. Técnicas de
escultura A escultura de bronze foi cerca de dez vezes mais cara que uma em mármore. Em geral, as oficinas de bronzistas tinham todo o aparato para fundir sua produção e, mesmo que não, o perigoso e trabalhoso processo de fundição era invariavelmente supervisionado pelo mestre encarregado da ordem. No entanto, até a segunda metade do século XV, apenas pequenos pedaços podiam ser feitos em bronze, uma vez que a técnica de fundição indireta com cera perdida ainda não havia sido redescoberta, de modo que as estátuas permaneciam maciças. A fundição direta exigiu a criação de um modelo de cera como se fosse o trabalho definitivo, nos seus menores detalhes. O modelo foi então coberto com uma camada de argila refratária, deixando alguns buracos abertos naquele invólucro. Secar o conjunto, foi aquecido em um forno que ao mesmo tempo assou a argila, dando-lhe resistência, e derreteu a cera, que fluiu através dos furos deixando o interior oco. Após o resfriamento, o bloco tornou-se o molde para a fundição, e o bonzo derretido foi inserido no oco deixado pela cera. Depois que o metal esfriou, o molde foi quebrado e a cópia de bronze foi removida. Este método tinha a vantagem de permitir que trabalhos muito detalhados fossem feitos, mas no processo o modelo original foi destruído, nenhuma outra cópia pôde ser removida, e se a fundição por qualquer motivo falhou, todo o trabalho foi perdido. Legado Mas concentrar a análise do impacto da escultura da Renascença italiana em toda a Europa nessa sucessão individual é enganoso e reduz enormemente a amplitude do processo. Desde o início do Renascimento, as trocas comerciais e culturais de Florença com outros pontos da Europa lançaram as primeiras sementes da difusão do estilo toscano fora da Itália. Com o tempo, a influência se intensificou, e os mestres italianos entre o final do século XV e o início do século XVI já trabalhavam em outros países, outros foram para a Itália para receber seu treinamento ou aperfeiçoamento e a Itália era a principal cultura européia. Francesco Laurana trabalhou na França e lá Francesco Primaticcio foi um dos fundadores da Escola de Fontainebleau, que influenciou Jean Goujon e Germain Pilon.Andrea Sansovino trabalhou em Portugal e Espanha, Pietro Torrigiano na Inglaterra e Espanha; os espanhóis Alonso Berruguete, Diego de Siloé e Juan de Junistudied na Itália, todas estas figuras de desempenho excepcional na escultura destes países, além de que as obras de arte foram importadas em grande quantidade da Itália e peças célebres circularam amplamente através de reproduções em gravação. Quando a Itália entre o final do século XV e início do século XVI foi invadida pela França, Espanha e Alemanha, uma enorme quantidade de esculturas e outras obras de arte foram saqueadas e levadas para o exterior. Com este verdadeiro fluxo de referências materiais, quase nenhum ponto na Europa pode dizer que foi inteiramente imune ao espírito da Renascença, como foi formulado na Itália, embora esse espírito em cada lugar tenha se misturado com estilos nativos,especialmente versões de gótico, que deu uma grande multiplicidade de escolas regionais. A partir do século XVII, a influência direta italiana começou a declinar e outras estéticas tomaram o lugar da Renascença, mas o que aconteceu na escultura fora da Itália, não pode ser imaginado, não ocorreu antes da inseminação italiana, e mesmo daquela que surgiu na península. cresceu nessas raízes da Renascença. A escultura renascentista italiana desenvolveu recursos técnicos que possibilitaram um imenso salto em relação à Idade Média em termos de capacidade de criação de formas livres no espaço e de representação da natureza e do corpo humano. Renovado o próprio significado de representação, reviveu os gêneros de retratos e nudez, que tiveram uma carreira mais fértil depois, contribuiu para dar ao artista um status de maior prestígio na sociedade e para estimular o interesse geral na história antiga. Seus fundamentos teóricos buscaram definir-lhe um papel socialmente significativo, defendendo altos valores humanísticos como o heroísmo, o espírito público e o altruísmo, peças fundamentais para a construção de uma sociedade mais justa e livre para todos,embora essa arte tenha sido freqüentemente usada como veículo para a glorificação de visões políticas agora consideradas injustas e da vaidosa personalidade dos poderosos. Por fim, a enorme produção escultórica que sobrevive, tanto na Itália como espalhada pelos inúmeros museus do mundo, continua a atrair multidões, é usada pelos professores como uma ferramenta educacional para seus alunos e por estudiosos no conhecimento do período como um todo, e constitui uma parte significativa da própria definição de escultura ocidental. Embora os estudos do Renascimento italiano em todas as suas expressões sociais, culturais, políticas e religiosas tenham se multiplicado de maneira esmagadora no século XX. Quais características das esculturas do Renascimento?A escultura do Renascimento usou todo tipo de materiais, principalmente do mármore, bronze e madeira . O bronze competiu com o mármore, principalmente em monumentos funerários, fontes e pequenas esculturas para decoração de interiores, assim como em estátuas equestres como a do condottiero Colleoni em Veneza.
Quais são as principais características da arte do Renascimento?As principais características foram o humanismo, o antropocentrismo, o individualismo, o universalismo, o racionalismo, o cientificismo e a valorização da Antiguidade Clássica. Para compreender cada uma dessas características, é preciso saber como se desenvolveu o movimento renascentista.
Quais foram as principais características e os principais artistas do Renascimento na escultura?Os principais artistas renascentistas italianos foram Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) e Rafael Sanzio (1483-1520). Leonardo da Vinci não foi somente representante das artes plásticas (pintor e escultor), mas também estudou música, arquitetura, engenharia, foi inventor e filósofo.
Quais são as principais características das esculturas?A escultura é uma das mais antigas e duradouras formas de arte. Sendo considerada o 4.º tipo de arte, a escultura consiste basicamente na representação tridimensional, por meio da utilização de algum material, tal como o mármore ou a pedra, e de alguma técnica, como a cinzelação ou a modelação.
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